• 张博

    张博

    张博现居北京,身为艺术家、设计师和联合策展人,他旨在模糊当代艺术、现代技术和设计之间的界限。他的作品别具一格,使观赏者忍不住多看两眼,尝试发现作品所隐藏的含义。Vase Na是张博作品中个人特色异常鲜明的一个系列。该系列的花瓶意在将线条和色彩融入空间,呈现看似存在但实际上并不存在的边界。我们平常看到的花瓶是有边的容器,而Vase Na的设计运用了白框、彩绘、图案、角度变换等手法,打破了固有的空间限制,用色彩构成了瓶身,体现了层叠感、变化感和真实感。让观赏者不禁提问:花瓶还存在吗?不仅花瓶的边境虚实难分,当观赏者移动视线,花瓶的颜色还会随之改变。当观赏的视角产生变化,花瓶交织的框架结构将产生深度、层次的变化和3D效果。这些设计元素将人们引向了一种“视觉漫游”。张博的作品获得了多个奖项的国际认可,包括2020年Wanted Design Launch Pad, 2021年NYC x Design awards。此外,他还入选了联合国教科文组织的RenovArt - 100位未来艺术家,并在米兰国际设计展、迈阿密设计展、巴塞尔艺术博览会、意大利编辑那不勒斯艺术博览会等艺术机构展出作品。

  • Adam Riches

    Adam Riches

    Adam Riches是一位新兴的英国画家,他主要在单色调色板上工作。从激烈的情绪爆发到忧郁的反思,Adam Riches基于人类对各种状态的敏感反应,创作出具有鲜明风格化的肖像和具象作品。Adam Riches用纸笔以及油画,探索了人类的心理,探究了当前的社会和政治问题对个人的影响,以及他们对彼此的行为。这位艺术家对人的弱点和他们的不可靠性特别感兴趣——尤其是他们极端行为的潜力。“在大多数情况下,人们表现出秩序和文明的外表,但在这些外表下,通常有一些更有趣的事情正在酝酿中。”Adam Riches参加了许多国际展览,他的作品在世界各地的私人收藏中都能找到。这位艺术家目前在英国Ipswich生活和工作。

  • Ahoo Maher

    Ahoo Maher

    Ahoo Maher是一名艺术家、自由音乐家和策展人。这位艺术家出生于伊朗德黑兰的一个艺术家庭,自2008年以来一直生活在奥地利。2009年至2011年,她在音乐与表演艺术大学学习音乐教育,2013年开始探索新音乐的即兴创作领域,并与不同的乐团合作表演。2017年,她在维也纳美术学院的Ashley Scheirl指导下完成了语境绘画的学习。Ahoo Maher已举办了四次个展,并参加了许多国际群展。她目前在维也纳和德黑兰生活和工作。

  • Aleksandra Sana Rasulic

    Aleksandra Sana Rasulic

    Aleksandra Sana Rasulic 于 2010 年毕业于美术学院。之后,Rasulic 参加了多个艺术节、集体展览和艺术家驻场计划。 Rasulic 在学习捕捉并观察无意识性的同时,她的大部分作品都是是由好奇心驱动的自然发展。她的作品是关于表达和指出关于她周围的事物以及她与之互动的所有印象、经历和反思。Rasulic的作品是她的思想、问题、答案和内部对话的结果。她所有的作品都是在纸上创作,但使用不同的材料和技术。 Rasulic 喜欢通过在她居住的地方听到的词语、谚语和言语表达来命名她的作品。她在她所见、所闻和所感的一切中寻找艺术。 这位艺术家目前在西班牙马拉加生活和工作。...

  • Alessio Mazzarulli

    Alessio Mazzarulli

    在Alessio Mazzarulli的作品中,他阐述了时间的流逝。他将日常生活中收到的票据、账单、发票、文件和杂志等纸张粉碎并回收利用,用它们拼贴创作出层次感浓厚的艺术品,展现了对过去某一个瞬间、某一帧画面扭曲的一瞥。脑海中褪色的记忆,被时间侵蚀的面孔,几乎被遗忘的细节——Alessio Mazzarulli捕捉这些瞬间,用最能代表日常生活的账单票据,创作出表达“生活和时间是流动的,在这一静止的时刻,我存在过”的作品。“我喜欢寻找新方法、新路径、新技术、新材料,并用它们来传达信息。”这位艺术家如是说。Alessio Mazzarulli目前生活和工作在意大利的Francavilla al mare。

  • Alex Voinea

    Alex Voinea

    Alex Voinea的灵感来自于将颜料倾倒在振动的表面上的实验,这种技巧捕捉到了仿佛凝固在时间和空间中的色彩之流。在近乎超现实主义的定义下,艺术家成功地呈现一种引人注目、发人深思的流动感和深度。无论是小水滴还是大笔触,他生动、饱和的色彩从画布上呼之欲出。“我的作品是一场混乱与秩序之间的竞争,我寻找的是一种微妙的平衡。”Alex Voinea如是说。Alex Voinea已在布鲁塞尔、巴黎、伦敦、米兰、阿姆斯特丹、纽约和洛杉矶等城市展示了他的作品,这位艺术家目前生活和工作在西班牙的Sant Sadurní d'Anoia。

  • Alexander Haywood

    Alexander Haywood

    Alexander Haywood一直对梦境着迷,他认为梦能以视觉的方式表达我们理性思维无法理解的抽象概念和感受。Alexander Haywood试着在绘画中做同样的事情,通过使用自然世界的特征,他试图象征性地揭示心灵不可言喻的深层领域。Alexander Haywood的作品通过向外部景观注入主观的内在感知,探索了现实与想象之间的界限。他的绘画反映了人的情绪和微妙的意识状态,展示了他自己独特的心灵和普世的人类现状。无论是透视的运用,还是对细节的关注,抑或是情感的表达,Alexander Haywood的目的都是为了创造一种亲密的、身临其境的体验,以消解主体与客体、画作与观赏者之间的隔阂。通过电影般的构图捕捉大自然的浩瀚和多样性,他的作品阐明了通过重拾敬畏感来与自然世界构建更和谐关系的价值。Alexander Haywood的作品已经在多个国家展出。在柏林居住了几年之后,他现在在伦敦生活和工作。

  • Amanda Johnstone

    Amanda Johnstone

    Amanda Johnstone有深厚的时尚和设计背景,她拥有时尚设计和化妆艺术的学历,其艺术创作的灵感来自各大时装屋、流行文化偶像和生活中美好的事物。 Amanda的作品将丰富、醒目的色彩与风景、纹理和昂贵的材料融合在一起。凭借着对室内设计、摄影和当代艺术的热情,Amanda的利用数字图层和拼贴方法进行艺术创作。这位来自墨尔本的艺术家巧妙地将24k金箔、银箔、油画棒、丙烯颜料和木炭覆盖在原始作品上,创作出多维度的具有高级感艺术品。 Amanda的艺术是她的激情和欲望的混合。从女性裸体到奢华时尚,每一件作品都是为了致敬和颂扬女性的力量。 除了她繁忙的艺术事业,Amanda还是一个意大利家具、灯饰和艺术陈列室的合伙人,该陈列室已经运营了超过13年。这位艺术家目前在澳大利亚墨尔本生活和工作。

  • Ami Park

    Ami Park

    Ami Park出生在韩国首尔,现在生活和工作在纽约。这位艺术家最初在纽约Parsons学院学习成为一名时装设计师。如今,她从无限变化的自然形式受到启发,以创新的纺织设计技术进行艺术创作。 Ami Park的艺术作品展示了她在刺绣、绘画和染色技术方面的技能,并带有科学技术的影子。她利用纤维材料和各种绘画技巧,通过重复的纹理来视觉化“振动”这一概念。这些艺术作品非常注重创作过程,对Ami Park来说,这几乎是一个冥想的过程。 "宇宙中的一切都在不断地振动:思想、情感,甚至是看似静态的物体。我想知道人类思想和自然界之间的振动。我喜欢通过重复的纹理来揭示它们之间的关系,并通过各种纤维材料赋予它们形式。" Ami Park的作品曾在RSOAA(纽约)、The Holy Art Gallery(伦敦)、Ethan Cohen...

  • Amy Kim

    Amy Kim

    Amy Kim出生于韩国首尔,2000年搬到墨尔本,在维多利亚艺术学院学习美术,主修绘画。她曾在一系列创意产业中工作,包括剧院设计、艺术指导、室内装饰、平面设计和教学。 通过特立独行的方式描绘有机物,Amy Kim的作品将现实与超现实结合起来。通过纳入交错的几何形状和大胆、顽强的色彩使用,人物、面孔、场景和环境被描述和解释。虽然作品在形式上主要是抽象的,但意义却不是,因为存在的多维条件被呈现出来,生活的不平等的和谐被观察和检查。艾米最初的想法主要与日常生活有关,她的作品经常反映她对这些事件的观察和情绪反应。 结合建构主义、野兽派、表现主义和超现实主义的完美、一致的融合,艾米的作品向这些令人难以置信的突破性和区别性风格之间存在的共同点致敬。 该艺术家目前在澳大利亚墨尔本生活和工作。

  • Ana Sneeringer

    Ana Sneeringer

    Ana Sneeringer是一位斯洛文尼亚裔美国艺术家,她的纪录片新闻事业始于她在一家环境电视台担任主管的时候。她在约旦、俄罗斯、美国、多米尼加共和国、荷兰和印度旅行的经历,现在在她的当代艺术作品中得到了表达。 女性,或女性的表现形式,构成了Ana Sneeringer的艺术探索和她所描绘的故事的中心。这位艺术家在世界各地生活过,接触过来自许多不同文化背景的女性,她的作品与普遍的情感产生共鸣,而不是强调种族或肤色的差异。因此,Ana Sneeringer的画布是由现代女性分享的思想、情感和经验构成的生动的、千变万化的世界。

  • Andrea Crespi

    Andrea Crespi

    Andrea Crespi毕业于米兰的欧洲设计学院工业产品设计专业。离开大学后,他选择专注视觉艺术。 Andrea Crespi的作品是对不同媒体和主题持续研究的产物。他的主题包括但不限于视觉错觉、社会变化和数字科技。他将艺术定义为一种感知的工具和一种通过对美的探索来分析现实的方式,这种探索有时表现在一幅亲密的、几乎是“不可描叙”的肖像中。他的主题是对文化符号的重新想象,从而具有对日常现实的叙述功能。通过捕捉记忆的流动,每一件作品都通过时代性的过滤器重新定义自己,从而成为我们时代的见证。 目前Andrea Crespi生活和工作在意大利的米兰。

  • Andrea Magnusdottir

    Andrea Magnusdottir

    Andrea Magnusdottir 在冰岛出生长大。她的童年是在农场度过的,那里是培养她创造力的完美环境。小时候,她对颜色着迷,每天都沉浸在画画的喜悦中,她总是喜欢用盒子里最亮的颜色。 Andrea 对鲜艳色彩的热爱渗透到她所有的创作追求中,这些年来包括书法、珠宝制作、家具修整、针织、绗缝、陶瓷和摄影。移居美国后,她在艺术学校期间继续探索各种创作渠道,包括绘画。随着时间的推移,Andrea对在她的家庭工作室绘画的喜爱发展成为对她创造性表达的热切探索。 Andrea目前的作品是她创作经历的巅峰之作,反映了她对色彩、形式和构图的终生痴迷。她的艺术实践探索色彩的相互作用以及平衡和张力的实验。她标志性的色彩搭配和几何元素相结合,营造出一种充满活力的庆祝感。 Andrea 的创作过程是直观的,并且随着她的工作而不断发展,给人一种自发的感觉。 Andrea目前居住在宾夕法尼亚州费城郊区的雄鹿县。她的作品被国内外私人收藏家收藏,并在国际品牌举办的艺术展览中展出。

  • Andreea Zimbru

    Andreea Zimbru

    Andreea Zimbru的艺术实践结合了抽象性和具象性。她的主题灵感来自日常生活,但总是在真实和不真实这两种矛盾的状态之间转换。她的作品呈现了对未知的某种联系,并提供了对另一个现实的瞬间一瞥。 这位罗马尼亚艺术家毕业于Cluj-Napoca艺术与设计大学,并获得美术硕士学位,目前正在攻读视觉艺术博士学位。 Andreea Zimbru的作品出现在许多出版物中,并在罗马尼亚、美国、希腊和捷克共和国的多个群展中展出。这位艺术家目前在Cluj-Napoca生活和工作。

  • Angela Glajcar

    Angela Glajcar

    Angela Glajcar在她的雕塑中探索了空间的体验。通过深入研究三维空间的可变性及其与周围空间的相互作用,她努力将观众的目光引向食物的本质,并在一个过度饱和的世界中找到清静。 她的极简纸雕塑被撕裂和分层,用以建立空间和材料之间的对话,并鼓励观众拥抱作品所揭示的虚空。她的作品散发出一定的轻盈感,并给观众留下了投射自己思想和想象的空间。 “我的作品拥抱了虚空,它是空间、物质和虚空的相互作用,创造出一种轻盈感,提供了空间。这也是对观众的一种馈赠,通过观看和感知光与空间,然后用你的思想填充它们。” Angela Glajcar的许多作品都采用了大型特定场所装置的形式,它们定义了周围的空间,而她的独立雕塑形成了独特的对象,可以放置在任何环境中。这位艺术家目前在德国的Sörgenloch生活和工作。

  • Angela Susini

    Angela Susini

    出生于佛罗伦萨的Angela Susini从小就对艺术和绘画充满热情,当她只有10岁的时候,她就为自己的第一本书画了插图。大学时,Angela Susini学习艺术品修复和文化遗产保护,并毕业于佛罗伦萨著名的Opificio Delle Pietre Dure。毕业后,她从事艺术品修复和室内设计工作。Angela Susini经常利用摄影来捕捉一些吸引她眼球的东西,以便在她的工作室里使用。然后,她会创建一个单独的调色板,并开始在纸上素描,再之后会转移到她的手工画布上。她的创作过程是一个不断发展的过程,直到艺术家对最终结果感到满意。最近,Angela Susini一直在纸上创作抽象画,并尝试用厚重的主体颜料创作出更立体的作品。这位艺术家目前生活和工作在英国的Brighton。

  • Anine Cecilie Iversen

    Anine Cecilie Iversen

    Anine Cecilie Iversen是一位自学成才的丹麦艺术家。她很早就开始画画了,当时她的父亲是一位美术老师,他向她介绍了绘画和水彩画。她在一个充满创意的环境中长大,一直以视觉美学为导向坚持创作道路,并最终获得了数字概念开发学士学位,这使她成为为企业服务的平面设计师。但近年来,她觉得有必要追求和发展自己的艺术实践,于是她转型为一名全职艺术家。 Anine着迷于易逝和不断变化的事物,她的作品是对对比色、大胆轮廓、女性气质和有机形状的研究。她从现代艺术、时尚、植物学中汲取灵感,并在色彩、灯光、内心感受和思想等方面发现细微差别。她的女性画试图探索现代时尚人类的脆弱与优雅。 Anine Cecilie Iversen目前在丹麦哥本哈根生活和工作。

  • Anna Wilson

    Anna Wilson

    Anna Wilson在Western University Ontario学习视觉艺术和心理学。目前,她是TAP创意中心的常驻艺术家,她在那里追求自己对建筑和家具的绘画热情。Anna Wilson最近完成了一个致敬她的家乡伦敦的项目,在这个项目里她专注于使这座城市变得独特的建筑和家具。 Anna Wilson于2019年6月举办了她的第一个个展,并陆续在伦敦、安大略、多伦多等地展出她的作品。她已经获得多项嘉奖,包括2020年和2021年加拿大艺术探索和创造委员会,还被授予TAP新兴艺术家计划的入驻权。最近,Colart Collection和Sifton Properties收藏了她的作品。

  • Anthia Loizou

    Anthia Loizou

    获奖艺术家Anthia Loizou于2020年毕业于雅典美术学院,目前在维也纳美术学院学习抽象绘画。在她的艺术实践中,Anthia Loizou研究记忆、社会建构和遗产如何影响个人知觉,以身心关系为中心,将思想以物质形式呈现出来。通常,Anthia Loizou使用早期的作品作为基础材料来制作不同形式和尺寸的新作品。例如,她把一个艺术装置的元素再次使用,使它们成为二维拼贴的一部分。有或者,她将各种画作的碎片串联起来,创造出一个立体的雕塑。Anthia Loizou特别喜欢的一种材料是胶带——特别是当它被应用在一个像鼓一样有弹性的透明纸表面时。纸张的脆弱平衡了胶带的耐用性。通过将不同的半透明彩色胶带分层,Anthia Loizou创造了一个新的,高度个性化的调色板。Anthia Loizou曾获得Ethniki Asfalistiki艺术奖(2017),IKY奖(2011)和IKY奖学金(2012)。她的作品在多个艺术机构和私人收藏中都能找到。

  • Anthony Rondinone

    Anthony Rondinone

    Anthony Rondinone在纽约布朗克斯区出生和长大,他富有表现力的肖像是他传达“上瘾、孤独、抑郁和愤怒”这些在贫穷的移民社区很常见的情感的工具。 通过他的作品,Anthony Rondinone旨在鼓励自我反思,挖掘观众的情感,并要求他们与画中人物建立精神上的联系,以获得对自己和他人的更深入的理解。通过建立这种精神层面的冲突与磨合,Anthony Rondinone展示了人性中即使是悲伤和丑陋的的一面中也存在着某种美。 “我一直在用流行文化中的人物来描绘社会上不同的群体。芝麻街让我想起了布朗克斯区,其中每个角色都代表着我成长的街区的不同性格。例如,饼干怪兽是一个典型的瘾君子,你走在街上可能都不会正眼瞧他,但当你停下来思考他的生活时,他实际上是一个令人难以置信的悲剧角色。”Anthony Rondinone如是说。

  • Avazeh Hashemloo

    Avazeh Hashemloo

    Avazeh Hashemloo 是一位拥有科学背景的瑞典裔伊朗艺术家。1980年,Hashemloo出生于伊朗德黑兰,并从瑞典每部的于默奥大学获得了她的理论物理学博士学位。 作为一名具有科学教育背景的艺术家,Hashemloo的作品主要受几何形状和数学图表启发,描述和描绘量子物理学中的抽象现象。在她的作品中,她探索了线条和曲线相互影响以创建新的几何形状和形状。 “通过我的艺术,我研究个性与普遍性之间的关系。我想要展示具有自己形状和颜色的不同作品如何作为个体物种,聚在一起形成一个统一并和谐的组成,而不失他们的本质和身份。” 颜色的选择是 Avazeh 创作的一个重要方面。她认为,颜色可以通过创造不同部分之间的对比来提升艺术品的整体维度。在她的大部分作品中,她使用不同深浅的特定颜色来使作品拥有一个多层次或多维度的印象。 这位艺术家目前在瑞典于默奥生活和工作。

  • Bbblob

    Bbblob

    Bbblob是视觉艺术家和设计师Jacelyn Zhen的艺名。她的作品探索形状和色彩的和谐。明亮、生动、有机的形状相互作用,代表我们与自己和他人的关系。Bbblob的目标是在转瞬即逝的风景中捕捉一种平衡和运动的感觉。她的作品丰富而充满活力,反映了人类情感的永恒演变和不断变化的时间状态。Bbblob通过各种艺术媒介进行创作,包括壁画、版画、油画、雕塑甚至是地毯。Bbblo目前在新加坡生活和工作。

  • Benjamin NiyomugaboI

    Benjamin NiyomugaboI

    Benjamin NiyomugaboI是一位在卢旺达基加利生活和工作的视觉艺术家。 在Benjamin NiyomugaboI的成长过程中,艺术一直是他的爱好,素描画伴着他度过了童年和中学时期。他最终在2018年考入了一所当地艺术学校,并在2021年毕业后成为一名职业艺术家。 Benjamin NiyomugaboI喜欢从现实生活中汲取创作的灵感,对艺术的热情感动着他,鼓舞着他在艺术之路上继续探索。

  • Björn Bauer

    Björn Bauer

    在对艺术技巧的无止境探索和实验的过程中,Björn Bauer创造了其气势磅礴的抽象画。在他的作品中,你会发现这位艺术家很少使用同样的作画技巧,每幅作品都充满了新鲜感,仿佛在带着观众一起探索他的艺术媒介。“我作画的目的是想创造出我从未见过的绘画作品,同时开拓自己的视野、激发想象力和让自己的情感更丰富。我画画的时候很少有预设的主题,作品所传达的内涵和意义往往在我逐渐完成画作,并将细节做得更完美之后才会出现。”Björn Bauer更愿意将自己的作品呈现给不同的人去解读,他希望为观赏者们提供能激起思辨和讨论的火花,开启一种对话,并在交流中增进共识。“这幅画让我想起了什么,或者它在我心中唤起了什么感觉,这些因素会反映在我对作品的命名上。尽管如此,我同样感兴趣的是,当你观赏我的画作时,心中会得出什么意义或联想。一幅画作可以阐明我们每个人对周围世界的看法是多么不同,又或者能让我们发现彼此之间有多少共同点。”

  • Bob Voigts

    Bob Voigts

    Robert Voigts 在美国伊利诺伊州芝加哥的西郊长大。他主要是自学成才,从事亚克力、混合媒体、拼贴以及数字媒体的工作。从小,他就知道自己想追求艺术。 Voigts在拼贴和组装方面的实验以及他对艺术史的个人研究对他的作品以及伊利诺伊州和密苏里州的风景以及超现实主义诗人,尤其是罗伯特·德斯诺斯(Robert Desnos)产生了最大的影响。他特别喜欢艺术家 Joseph Cornell、Kurt Schwitters、Wayne Thiebaud 和 Richard Diebenkorn。...

  • Camille Benoit

    Camille Benoit

    Camille Benoit长期以来一直对纸张的多种不同的纹理有着浓厚的兴趣。这种对纸迷恋始于她的艺术方向研究,当时她接触到用于印制豪华书籍的各种纸张印刷技术,从此一发不可自拔。 渐渐地,这位艺术家开始将复杂的剪纸融入到她所创作的纸制结构中,并不断学习新的技术,如弹出式折叠和日式折纸。完成学业后,Camille Benoit开始接触纸艺术,并发现了一个简单材料为王的世界。纸张颜色、质地、重量和尺寸的多样性让她能够创造出富有冒险精神的个人艺术项目,或者满足客户的各种私人订制要求。 Camille Benoit的创作灵感来自于自然界的图案和设计。自从新冠疫情开始以来,她就把各种动物的生活作为自己的核心主题,并在自己的房子里创建了一个纸上的生态系统。 Camille Benoit目前在伦敦工作和生活。

  • Cansu Porsuk

    Cansu Porsuk

    Cansu Porsuk 是一位专业艺术家,在过去的 10 年中,Porsuk主要使用丙烯颜料,偶尔使用油画颜料。她喜欢使用明亮的色彩和线条让日常用品变得有趣,并庆祝生活中的每一刻。由于她曾是一名建筑师,她的作品细致入微。她目前正在关注日常绘画运动,每天在她位于土耳其的工作室中以较小的尺寸进行绘画。 从 2019 年到 2021 年,Porsuk与多部电视作品合作,包括 Netflix 的...

  • Caroline Heider

    Caroline Heider

    Caroline Heider在维也纳电影学院学习相机和图像技术,并在维也纳美术学院学习摄影。她还在维也纳应用艺术大学任教和研究,是应用摄影和时基媒体系的高级讲师。 Caroline作品的重点是探索技术性图像、它们的效果、它们的制作条件,以及模拟摄影技术向数字领域的转移。 Caroline的作品曾在萨尔茨堡现代美术馆(身体密码:来自博物馆收藏的图像,群展)、维也纳美景宫美术馆(2014年,西格蒙德·弗洛伊德:表现负担的游戏,群展)和洛杉矶郡立艺术博物馆(2022年,欧洲的性别与国家,群展)展出,并被私人收藏家收藏。此外,她获得了第32届奥地利平面设计奖和奥地利文化部以及奥地利博物馆颁发的杰出艺术家奖。 目前Caroline Heider在奥地利维也纳工作和生活。

  • Cassady Fulbright

    Cassady Fulbright

    Cassady Fulbright是一位抽象艺术家,拥有室内艺术和绘画学士学位。从她的旅行中汲取艺术灵感,Cassady Fulbright的风景画通过照片版的像素抽象渲染,敏锐地观察颜色组合和形状还有模式之间的互动。 Cassady Fulbright出生在佐治亚州的Toccoa。她在新墨西哥州的Santa Fe呆了一年,在那里,她沉浸于当地的艺术文化中,并发现了自己对艺术的热爱。在意大利John Cabot大学留学期间,Cassady Fulbright专注于古罗马历史、纪念碑和数码摄影。在欧洲的经历拓宽了她的文化视角,让她深知个人经历多样性的重要性。 “我的画作是对我周遭经历的致敬。想象一下,当你把生活分解成一个个独立的时刻,则每个时刻都感觉毫不费力。然而,当你回顾所做的决定和所有事情发生的原因时,生活看起来则更加复杂。我的兴趣在于探索简单的颜色和形状与复杂的总和之间的关系。”

  • Chris McCrae

    Chris McCrae

    Chris McCrae的作品的特点是具有震慑力的排版和引人注目的图形形状,它们模糊了街头艺术和当代波普艺术之间的界限。他的作品经常受到社会和媒体的影响,结合了文字和象征手法来吸引观众,并唤起一种反应或一种情感,创造了一个讨论的契机。Chris McCrae的作品被选入2018年“伦敦皇家学院夏季展览”( “Royal Academy London Summer Exhibition”),他的画作将在伦敦Vans之家即将举行的“城市与波普艺术拍卖会”( “Urban & Pop Art...

  • Christian Murzek

    Christian Murzek

    Christian Murzek在维也纳和下奥地利州生活和工作。在接受平面设计专业的培训后, Christian Murzek进入维也纳大学学习哲学。2012年,他开始在维也纳美术学院与Silke Otto-Knapp, Gunter Damisch, Veronika Dirnhofer和Christian Schwarzwald学习。 Christian Murzek的作品反映了数字科技对当今社会的完全融入。算法、二进制代码、人工智能、大数据和各种设备上的软件主宰着我们的生活,但几乎没有人能理解应用程序中需要什么样的级联过程。Christian...

  • Claudia Marchetti

    Claudia Marchetti

    Claudia Marchetti是一位自学成才的艺术家,也是一名会议口译员,这是两个相互矛盾但互补的职业。在口译时,她感同身受,以表达他人的想法和观点为目的;在绘画的时候,她表达了自己性格的所有方面,所有她内心所映射的女性,所有她们相互矛盾的愿望、需求、恐惧和冲动。 Claudia Marchetti画画的方式和她做梦的方式差不多,在治愈的过程中释放出她潜意识里的想法和图像。她对待自己的作品就像人们装饰自己的房子,试图使它尽可能美丽和愉快,比外面的世界更舒适,创造出一个使自己可以更快乐和自由的平行宇宙。 Claudia Marchetti的画中充满了浪漫主义的原型,动物和身体在玩一种捉迷藏般的游戏。它们将观众带入一种梦幻的状态,在那里,象征性占据统治地位,身心之间的分离被消除。 Claudia Marchetti于2019年3月在罗马Palazzo Cenci-Bolognetti举办了她的首次个展,她的作品被刊登在意大利艺术和诗歌杂志Monolith Volume的封面上。

  • Coquelicot Mafille

    Coquelicot Mafille

    Coquelicot Mafille的艺术创作围绕着戏剧、梦境的维度以及语言、自然和人际关系所占据的空间展开。在她的作品中,不同的时间和地点交织在一起,突出了多元文化身份的诗意元素。这位艺术家将生活中的场景提炼成一个个时刻,这些时刻构成了一幅人类社会的生动图卷。在巴黎一个移民社区长大的经历让Coquelicot Mafille深知人与人之间沟通的重要性。多次独自旅行的经历又进一步开拓了她的世界性思维方式和横向的视野。Coquelicot Mafille喜欢在各种表面上作画,如画布、织物、纸张,甚至是建筑的墙壁和窗户。她的画作多以对现有的图像进行拼贴和二次创作,带有浓厚的个人风格。Coquelicot Mafille还非常喜爱用刺绣这种工艺来作画。她的母亲是一位服装设计师,从小看着母亲制作礼服的经历使她对刺绣的工具和织物非常熟悉,也让她对刺绣这种艺术形式有着浓厚的热爱。Coquelicot Mafille的许多作品记录了那些在喧嚣中消失的人和事,它们就像是可视化的诗歌,表达了她想要讲述世界上所有故事的愿望。她用自己的画笔和刺绣描绘了一个梦幻又有趣的,充满故事的宇宙——一个文化、身份和思想的大熔炉。

  • Damilola Ajegbomogun

    Damilola Ajegbomogun

    Damilola Ajegbomogun是一位来自尼日利亚的艺术家。他在拉各斯大学(UNILAG)毕业并获得了创意艺术荣誉学士学位。 作为一名艺术家,Damilola渴望一种围绕意图、风格和情感的对话。当他选择投身艺术创作时,他同时也在研究和调查他与艺术对话的答案。他的最终目标是创造给观众带来情感的艺术。 “我认为,了解人类的过程就是了解人性的过程”。 Damilola对人类的情感及其表达非常感兴趣。他的绘画成了他最好的朋友。 “我明白自己一年又一年发生的变化。很长一段时间以来,我一直对画笔的笔触感兴趣,以及画笔如何描述性格的强度和真实性的想法。”

  • Daniel A du Preez

    Daniel A du Preez

    Daniel是一个沉默寡言的人,他从小就被艺术所吸引,试图用艺术表达自己。他的作品用艺术的手法提取各种形状和大小的剪纸,并尝试用不同类型的纸来实现和创造不寻常的物品,这些物品看起来令人着迷,充满想象力。他的作品经常表达的东西对每个人来说都是非常明显和可识别的,但暗藏着难以捉摸的转折。 Daniel通过他所认为的行星形象来表达自己对空间和宇宙的迷恋。他的灵感来自生活、爱情、自然、政治、新闻以及生活中围绕着他的一切。虽然他最喜欢的媒介是纸,但他也喜欢尝试用颜料来创作具有明亮色彩和纹理的艺术品。 他相信我们都会在空间和时间中产生涟漪,就像水滴落入池塘,产生涟漪,碰撞,然后反弹,这几乎是一个永无止境的过程。 这位艺术家目前在南非生活和工作。

  • Daniel Freaker

    Daniel Freaker

    Daniel Freaker毕业于伦敦Slade艺术学院,获得艺术硕士学位,在那里他探索了版画、视频、电影和摄影的绘画性质。他的画作让人想起电影场景,似乎是某个更广泛叙事的片段。Daniel Freaker的作品占据了抽象和具象之间的空间,因此颜料的使用方式与图像本身的主题同样重要。一些绘画的细节被清晰地定义,而其他的则更多地是一种暗示的姿态,因此更能引起共鸣。这形成了一个丰富的织锦交织的过程,给作品增加了更为复杂的质感。Daniel Freaker的多重技巧产生了某种怀旧的感觉和对美好与痛苦时刻的回忆。 Daniel Freaker的作品通过艺术联名、与慈善机构合作、在英国以及国际上的展览不断发展,展出机构包括伦敦的大英博物馆、韩国的大元大学和印度浦那的米拉画廊等。这位艺术家目前在英国Portsmouth生活和工作。

  • Daniel Martin

    Daniel Martin

    Daniel Martin在他的作品中探索了物质的嬗变特性,它们没有固定的形式,而是开放地进行阐释和转换。他遵循变化的原则,使用在街上找到的物品,通过切割绘画的形式来创作自己的作品。他将这些分离的元素作为脱节的笔触,重新组合成某种可辨认的形状,创造出一种新的艺术对象。他的这些变形和再造的肖像似乎讲述了一个未被发现的关于人造技术和反乌托邦的故事。Daniel Martin目前在荷兰Leiden生活和工作,他的作品已经在多个国际艺术展上发表和展出。展览包括:古巴国家革命博物馆,Duo Phillip Akkerman, 海牙Sis Josip Gallery,哈瓦那双年展等等。

  • Daniel Shipton

    Daniel Shipton

    在我们的童年里,生活中的各种日常事物都似乎有宝石般的美和品质,而当我们长大后,对美的敏锐度却似乎降低了。在Daniel Shipton的作品中,他试图还原我们孩童时期的视角和滤镜,将生活中的美艺术化呈现出来。为了强调这一点,他以一种现实主义的方式呈现他的主题,但同时又通过比例和视角赋予它们一种超现实主义的品质。这种看似矛盾的方法是贯穿他作品的一个反复出现的主题。从事手绘工作多年后,Daniel Shipton决定使用彩色铅笔作为他艺术创作的主力工具。彩色铅笔使他能够以一定的细节精度来执行他的作品,同时展示了这种不寻常的媒介的全部潜力。Daniel Shipton通过他的作品,向观众提出了一个基本的问题:“你如何看待这个世界?”

  • Daniele Fortuna

    Daniele Fortuna

    在意大利长大的Daniele Fortuna一直对古希腊神话中的人物和他们所代表的梦境世界着迷。如今,他采用复杂木雕的手法以及现代的色彩赋予这些神话人物一个新的维度,将这些童年时代的英雄们栩栩如生地呈现出来 这位艺术家毕业于米兰的欧洲设计学院(European Institute of Design),之后他在爱尔兰留学了几年,尔后重回故里,在皮亚琴察(Piacenza)创办了自己的工作室,在那里创作雕塑作品。 这些独特的雕像由一块块手工切割的木头组成,像拼图一样组装起来,并进行手绘, 这些特殊的工艺步骤使得雕像的材料变得难以辨认,甚至呈现出白色大理石般的质感。他的雕塑在传统意大利艺术元素和波普艺术表达之间建立了一种联系,创造了一座跨越时间的桥梁。 Daniele Fortuna一直认为,认识到来自我们历史文化中的“真理”很重要,他想通过一种新的视觉语言来将这些‘真理’现代化,让它们更容易被当今世界所接受。 一般来说,新古典主义的雕塑都是用白色大理石做的,因为这是一种珍贵的材料,被认为是财富和权力的象征。然而,Daniele Fortuna...

  • Danielle Rovetti

    Danielle Rovetti

    2016年,在担任了20年的平面设计师和企业品牌创意总监之后,Danielle Rovetti才将重心转向了视觉艺术。她的作品经常模糊绘画和雕塑之间的界限,所使用的艺术媒介包括混凝土、油画、原始画布和树脂。通过这种方式,Danielle Rovetti探索了我们多层次的现实,通过一种纹理式的表达形式,邀请观众从内心体验作品,追求更深入的体验,潜入表面之下,挖掘内在。 在Danielle Rovetti的调色板绘画中,Rovetti精心挑选和混合油画颜料,使用粗笔触,创造出令人着迷的视觉效果。在这种创作的过程中,她通过一种纹理表达的形式来探讨我们多层次的现实,邀请观众从内心体验作品,并超越最初的表面。就像在生活中,从远处观察整体是有意义的,但当走近并意识到构成整体的众多层次时,这种意义就被丰富了。 Danielle Rovetti目前在南非的约翰内斯堡生活和工作。

  • Darren Young

    Darren Young

    Darren Young在1995年获得了East Carolina大学的绘画本科学位,1996年他与Wolf Kahn和Janet Fish一起在Vermont Studio中心作为常驻艺术家,并于1999年获得Indiana大学绘画艺术硕士学位。 作为一个在乡村长大的艺术家,Darren Young一直被乡村风景所吸引。他在Colorado大学教书时,以该地区发生的森林大火为题材创作了一系列风景画。如今,Darren Young在Charlotte地区的Wingate大学任教。他的风景画变得更加富有想象力和开放式画风,注重质感和表达周围环境的美。 “在我的作品中,创作的过程或行为的核心应该是对景观的深思和精神理解。” Darren Young通过强势、简单的构图,强烈的色彩和鲜明的对比唤起了一种光和空间感。他的目标是用不同的笔触在画布上创造一种强大的氛围感。包括具象意象和抽象元素在内,Darren...

  • Davey Whitcraft

    Davey Whitcraft

    Davey Whitcraft的艺术实践围绕着光和声音景观的创造,跨越了从视频到数字印刷和声音装置的一系列媒体。他借鉴了美国西部广阔的视觉景观,其广阔的色彩和氛围,主要集中在特定环境的情境性氛围。Davey Whitcraft利用这种美感来探索新的语境,并不断地寻找高质感的的色彩或声音。 Davey Whitcraft的作品拥抱技术,而不是拒绝它。他利用数字和技术创新扩展了“看”的概念。这使得他能够创造色彩的极端深度和精确的梯度,这是传统媒体无法实现的。虽然Davey Whitcraft的实践受到20世纪60年代“光与空间”作品的影响,但他使用了最高科技的工具和方法,包括4k视频捕捉和投影,在织物和纸张上的高分辨率染料升华印刷,以及多通道数字声音技术。

  • David Sprenger

    David Sprenger

    神秘的物体、空荡荡的公寓和贫瘠的风景是David Sprenger迷人的丙烯画中反复出现的主题。他的作品的特点是清晰界定的边缘,精心选择的透视,和高对比度的阴影,以此在充满神秘感的同时实现严格的视觉秩序。David Sprenger结合了超现实主义和极简主义的元素,创造出末世般的神秘世界,吸引着观众,并让他们产生联想。在他的画作中,你经常可以看到渺无人烟的荒漠上耸立着被遗弃的建筑和陌生的结构,它们与现代社会中经常被鼓吹的人类的自我中心主义形成了鲜明的对比。David Sprenger的作品目前被美国、西班牙、挪威、列支敦士登和科威特等国家的画廊收藏。他生活和工作在列支敦士登的特里泽和哥伦比亚的波哥大两地。

  • Derick Smith

    Derick Smith

    爱尔兰艺术家Derick Smith作品的核心是对当代全球社会内的意义创造思想进行反思。何为对意义创造思想进行反思?Derick Smith认为,在每个人看到一件艺术作品之前,我们潜意识里其实就对它有了自己的认知,这些认知可以是来自创作者的名字、作品名的名字甚至是这件艺术品的价格,这些主观意识导致每个人对这件作品是美或是丑有了不同的答案。正因为如此,Derick Smith避免象征性地绘画,而只使用基本的质量,如深度、重量、纹理、颜色、阴影、形式等。虽然以绘画的形式呈现,但他的大部分作品本质上却是雕塑,因为它探索了干湿材料的边界——静态和动态——以及这些传统媒体本身固有的共同关联。它打破了绘画的界限,并赋予了他的作品一种流动的质感和雕塑的品质。Derick Smith的目标是通过出其不意的惊喜元素吸引观众,所以他的作品的基调是有趣/甚至浮夸的。Derick Smith的作品曾在纽约、慕尼黑和都柏林的个展上展出,在英国、美国、俄罗斯的群展上展出,也是爱尔兰国家艺术收藏的一部分。此外,他还活跃在都柏林、慕尼黑和法国的艺术家驻场活动。

  • Derrick Ndushabandi

    Derrick Ndushabandi

    Derrick Ndushabandi是来自卢旺达的一位视觉艺术家。对Derrick Ndushabandi来说,选择从事艺术创作不仅是一种营生的手段,更是一种自我灵魂复活的方式。 “我一生都是一个艺术爱好者,但我花了20年时间才明白,只有在画布上作画时,我才是我自己。” Derrick Ndushabandi觉得画布是一个可以敞开心扉的地方,可以把自己所有的想法和怀疑都放上去。他喜欢在作品中探索不同的媒介,如将丙烯、油画颜料、混合颜料一起应用在画布上。Derrick Ndushabandi认为艺术能够与灵魂对话,因此他总是在自己的抽象绘画中融入这一哲学。 “找到自己的绘画风格是我职业生涯中最具挑战性的部分,有时我仍然觉得自己还没有达到那个目标,但我不想让心中的疑虑阻止自己的艺术探索。” 这位艺术家目前在基加利生活和工作。

  • Dhawa Rezkyna

    Dhawa Rezkyna

    Dhawa Rezkyna的作品深受绿植和花卉的启发。这位艺术家着迷于它们能够持续适应变化的生态系统并不断成长,就像人类适应周遭发生的文化变化一样。在世界各地的文化中,花代表了对欣快、美丽、生命以及死亡的庆祝,因此Rezkyna借用了花卉这种强大而模糊的象征主义,将其与日常生活中常见的事物进行对比,以此呈现出理智与幻想、戏剧性与讽刺性之间的冲突。Rezkyn的画作中还经常出现蒙着脸、看不清五官和表情的人物形象,他通过这些不知名的隐形人物,传达了这样的信念:人类仍然是巨大的空白,只有内在被填补之后,才能揭示他们的真实面目。人类对自我身份的认知以及情感上的矛盾是Rezkyna画作的主题,他并不寻求绝对的答案,而是希望与画作前的你展开对话,提出问题,提供不同的视角,让人们质疑自己在某些问题上的立场,并获得新的理解。Rezkyna充满活力的作品已经成为他个人的精神花园,在那里他不断地种植、培育和收获这些根植于他想象力的产物。

  • Dhruti Mahajan

    Dhruti Mahajan

    Dhruti Mahajan 的艺术是基于向内寻找宁静的概念和神秘主义的哲学。她实际的日常生活、愿望、梦想、斗争、兴趣和生活经历始终是她想象力的核心。这是一种艺术和生活的相互作用,就像生活影响她的艺术一样,她的艺术反过来也影响她的生活。这就是她如何在她的艺术作品中使生活恢复活力。Mahajan 发现绘画是她思考、交流和创造的媒介。 Mahajan的艺术作品使她能够注意到自己的存在。用简单的术语描述为 "生命之环",艺术家认为她的作品是看似简单但在哲学上非常复杂的东西。 " 每个人都试图通过根据他的生命召唤转移中心来寻找和平。生命的中心是更加动态的,而圆周是相当静态的。" Mahajan大多使用中性色彩,因为她认为色彩不应该被用来表达感觉或情绪,而只是表示无色的自然现实。有了这些,艺术家希望她的艺术能唤起观众心中的宁静、积极、冥想的状态和敏感。

  • DXTR

    DXTR

    DXTR居住在德国柏林,他于1999年开始创作涂鸦作品。2005年,他搬到杜塞尔多夫,并在应用科学大学学习设计。DXTR现在是一名艺术家和插画家,他的合作客户包括迪士尼、耐克、尼克儿童频道等知名品牌,作品已在柏林、汉堡、洛杉矶、纽约、华盛顿、底特律、波士顿、维也纳、罗马和上海等城市展出。 2011年9月,DXTR和朋友们一起成立了艺术团体the WEIRD,这是一个由10名都市插画家组成的团队,分布在欧洲各地,专注于大型壁画创作。 “DXTR是一位生活在德国柏林的艺术家和插画家。作为Weird Crew的一员,DXTR将他大胆的、充满活力的绘画在墙壁和印刷品之间自如转换。他通过所有可用的创作渠道将耳目一新的设计作品注入世界。 DXTR所创作的角色包括眼睛闪闪发光的老虎、戴太阳镜的运动鞋男孩和糖果色的太空骷髅头等等,他的作品疯狂野性,却又异常干脆利落。” -Juxtapoz杂志

  • Eileen Lang

    Eileen Lang

    在加州郁郁葱葱的起伏海岸线上长大,唤起了Eileen Lang对有机形态的终生迷恋。在成为一名画家前,Eileen Lang受过长期的专业芭蕾舞训练,这番经历也进一步培养了她对流畅动作和线条的欣赏力。成为一名芭蕾舞者的梦想在一次意外事故之后戛然而止,从此Eileen Lang将她的创作精力转向了绘画,并于北卡罗来纳大学艺术学院(University of North Carolina School of the Arts)毕业。Eileen Lang的作品非常强调自然的韵律,她以摄影用纸为表面,利用亚克力、印度墨和苏米墨的自由性和不定性,创作了受远东苏米纳伽大师古老艺术技艺启发的绘画作品。每件作品的解读都是由纸上的墨水和观赏者之间的互动决定的。Eileen...

  • Elena Mahoney

    Elena Mahoney

    Paint is the main medium through which Elena Mahoney explores, discovers and...

  • Elisa Bonotti

    Elisa Bonotti

    Elisa Bonotti is an Italian painter and digital illustrator whose works are...

  • Elizabeth Candy

    Elizabeth Candy

    Elizabeth Candy出生在意大利,并在米兰学习时装设计,在那里她的艺术创作过程经常是时装和艺术的结合。她在个人的艺术探索中发现了自己对糖果的偏爱:把普通的糖果变成珍贵的彩色艺术作品。对孩童时期的我们来说,五颜六色的糖果本身就是一种艺术,这种对糖果的美妙幻想在长大后被很多人遗忘了,而Elizabeth Candy的作品就是要唤醒这些 “甜蜜的回忆”。 Elizabeth Candy经常用色彩鲜艳的糖豆重新诠释当代流行文化偶像,就像艺术家Aldo Mondino在80年代初用巧克力、咖啡和粘性糖果创作作品一样。通过这种方式,Elizabeth Candy旨在通过将商业产品转化为珍贵的艺术作品来扩展和重塑波普艺术运动的传统。 Elizabeth Candy的作品已经成为许多国际展览和艺术博览会的一部分。她的一件作品目前正在Usl Franciacorta-Chiari-Brescia展出。

  • Emi Comaroff

    Emi Comaroff

    Emi Comaroff是一位在日本出生的艺术家,常驻新加坡。Emi的绘画灵感来自于她的多种族背景和对不同文化和艺术的接触。她出生在东京的一个艺术家庭,从小就访问了她父亲的故乡南非,Emi协商并结合了极简主义和异国元素。艺术家对日本美学 "Wabi-Sabi "的欣赏,包括不对称、简单、朴素和谦虚。 她独一无二的有机抽象由精致的自由线条和几何形状组成。运动的微妙愈合感觉往往将观众与他们内心的清晰和平静联系在一起。埃米的作品邀请人们通过她的多层次的解释艺术参与到未知的和运输的现实和时间、空间和自然的能量。 Emi的许多创作都带有尊重平衡和自然的低调的优雅。它的现代美学具有现代的吸引力,并与极简主义运动完美契合。她的一些作品可以水平地、垂直地或相邻地欣赏,使观众能够探索不同的构成。 2020年,埃米的艺术作品在伦敦的群展上展出。

  • Emil Öhlund

    Emil Öhlund

    Emil Öhlund was born in Valdemarsvik, Sweden and studied at Örebro Art...

  • Ernst Miesgang

    Ernst Miesgang

    Ernst Miesgang在2018年毕业于维也纳美术学院,他的作品经常将日常物品的碎片结合在一起:他打碎俗气的陶瓷人物,并将把它们重新组合成独立的作品;又或者将报纸上的图片撕裂,通过重复和变化的个体图案,将它们拼接成新的图像。在Ernst Miesgang高度个性化的拼装中,这些物品变得与他们原来的样子大不相同。 Ernst Miesgang还利用数字工具,将物体和人物现有图像的碎片进行拼贴,开发出一种新的摄影材料。他经常将科学的方法运用到艺术创作过程中,而且并不关心作品对现实的客观表现。相反,他有意识地引入了不常规的错误和干预。 Ernst Miesgang的许多作品可以被解读为对科学模型和概念的讽刺,批评我们现代世界对进步、速度和增长的普遍信念。在此过程中,他提出了一种彻底的范式转变——重新思考我们的价值体系。他的作品往往需要数月的时间来创作,这个过程可以被视为艺术家要求我们停下脚步,进行反思的请求。

  • Fabio Giorgianni

    Fabio Giorgianni

    Fabio Giorgianni出生在西西里岛的埃特纳火山山坡上。从很小的时候起,他就对绘画产生了热情。在20世纪80年代末,他搬到都灵学习建筑。在这些年中,他尝试了各种视觉表达形式和图形技术,最终发展出一种高度个性化的艺术风格,他将自己的民族根源元素与当代艺术手法融合在一起。 出于对东方,尤其是对日本的热情,使Fabio Giorgianni开始研究武术、瑜伽、冥想和灵性;这些元素对他如今的作品产生了影响。而他对新的冲动的不断探索另现实主义的表现与抽象的图形在他的作品中并列出现。 Fabio Giorgianni的作品受到自然环境不断变化的影响而不断发展。他的作品主题涵盖了不同季节的火山景观,阳光灿烂的西西里腹地麦田,地中海花园到城市景观等等。

  • Fabio La Fauci

    Fabio La Fauci

    Fabio La Fauci综合了超现实主义、抽象表现主义和极简主义的影响,虽然他的作品的主题是匿名的,但它们非常具有表现力,并让我们产生疑问:如果不是脸,是什么构成了一幅肖像? 他作品里这些引人注目的无脸女性肖像是广泛的美学研究过程的结果,这些作品结合了绘画、摄影和陶瓷等媒介,在具象和抽象之间交织与融合。 Fabio La Fauci的作品已在许多国家和艺术博览会上展出,这位艺术家目前生活和工作在德国的柏林。

  • Fernando Barrientos

    Fernando Barrientos

    自学成才的艺术家Fernando Barrientos一直对现实主义艺术作品的虚幻感着迷,所以几年前,他决定开始创作自己的作品。Fernando Barrientos的超写实绘画作品是用彩色铅笔在棉纸上完成的,他把每一幅新作品都视为一种挑战,以此了解更多关于作品的尺寸、深度和颜色之间的联系。他选择的作品主题取决于他当下被什么所吸引;通常,他会用自己的艺术创作技能来放大一个较小的物体,并以更大的比例来重新创造它。 Fernando Barrientos目前居住在美国华盛顿特区,他在那里工作和求学。

  • Francesca Borgo

    Francesca Borgo

    自学成才的艺术家Francesca Borgo曾是认知神经科学领域的研究员,她将自己对大脑功能的兴趣转移到了美学研究上。她抽象、梦幻的风景画是各种颜料混合的结果——丙烯酸颜色、石膏和丙烯酸树脂,与沙子混合——这不仅增强了视觉体验,而且用微妙的触觉和时间维度丰富了她的作品。Francesca Borgo的目的是玩味观众对运动和时间的感知。 Francesca Borgo同时使用浓郁和稀释的颜色——主要是泥土、自然的色调——来塑造微妙的效果,同时使用金属颜料来创造光线反射。这种技术允许她通过产生各种对比给绘画带来深度和张力,比如平滑vs.颗粒,细腻vs.粗糙,哑光vs.光泽,光vs.阴影等等,这些对比创造了一种优雅的平衡。 Francesca Borgo是伦敦艺术博览会的常客,并与意大利还有其他国际室内专家合作住宅和酒店项目,她的作品是许多美国和英国收藏家的藏品的一部分。

  • Francesco Petruccelli

    Francesco Petruccelli

    意大利雕塑家和画家Francesco Petruccelli最初的身份是摄影师。从米兰的人文学科毕业后,他于2011年搬到柏林,全身心投入到艺术创作中。 成长在意大利,Francesco Petruccelli发现自己被建筑、雕塑和绘画等形式的文化繁荣所包围,但他发现它们都没有能力反映现时的社会问题或道德困境。于是,他以破坏和打破传统的矛盾方式在他的艺术作品中寻找新的意义。 Francesco Petruccelli的作品曾在许多国家和国际展览中展出。2017年,他在印度班加罗尔的歌德学院担任常驻艺术家。2018年,他在Universität der Künste Berlin的Karsten Konrad班以Meisterschüler的身份毕业,并获得了Helmut Thoma Stiftung雕塑奖。2019年,他作为拉古纳艺术奖入围作品在意大利威尼斯军械库展出;同年,他参与创立了Intermission...

  • Frans Smit

    Frans Smit

    Frans Smit运用了广泛的当代媒介和实践,并与高度正统和古典的绘画方法进行了精心的平衡,加入了实验涂鸦,动态绘画,抽象手法和各种现代材料的运用,其中包括金属和霓虹灯涂料锚。 Frans Smit的迷人画作重新诠释了艺术巨匠们的肖像作品,这种在画布上精心平衡的古与今的融合,让艺术家形成了一种新的视觉语言,既能触及过去,也能触及未来。 Frans Smit的画作已经在国际上超过50个展览中展出。这位艺术家目前生活和工作在南非的开普敦。

  • Georgia Theologou

    Georgia Theologou

    Georgia Theologou的画作呈现出高度个性化的色彩选择,围绕着人类心灵的成长过程和经历,如创伤、性或者一系列的感官“联觉”现象。她着迷于丰富的色彩和沉浸式的模棱两可,她的作品不是描绘某个特定的人,而是一中体验存在的本质,一种用色彩表达的脆弱的记忆。性以及个人创伤是每个人生活中最自然的事情,也是Georgia Theologou的作品核心。她喜欢以共情作为侧重点来画肖像,裸体或其他以“人”为中心的作品。在她的作品中,主体往往是少女,并通过色彩来呈现和塑造。色彩是她的视觉语言,能够表达一种独特的情绪,并赋予新的意义。对Georgia Theologou来说,记忆是人类心灵中最神圣的东西,是记忆造就了人。在脑海中储存印象深刻的场景和图像,然后将它们与想象力相结合,从而产生无数的选择和可能性,这一想法给了Georgia Theologou很大的启发。“我从不对复杂的场景或超现实主义的概念感兴趣,我只对那些看起来像是回忆的场景感兴趣:从未亲身经历过,但却感同身受。”Georgia Theologou如是说。

  • Giovanna Morando

    Giovanna Morando

    从记事起,Giovanna Morando就被对绘画的热情所驱使,使她一直与艺术及其多面表达形式有着强烈的联系。在艺术学校和国际漫画学校学习后,Giovanna Morando尝试了不同的艺术媒介和技术,并主要专注于纹身和超现实主义插画。她的创作工具包括水彩、蛋彩、纸用丙烯酸颜料、粉笔和画布,她用这些材料将具象主题与几何表现形式融合在一起。 Giovanna Morando的最新作品的特点是使用图案、纹理和织物,将它们与插画混合,形成一种新的混合技术,以视觉和触觉的方式吸引观众。通过Women’s Drapery系列,她试图触发观众对童年的记忆,唤起日常生活、传统和文化的感觉,使内心感到安定和庇护。

  • Giusto Lo Bochiaro

    Giusto Lo Bochiaro

    Giusto Lo Bochiaro一直对讲述故事有着深厚的热爱。在他就读于艺术学校以及在意大利巴勒莫和德国卡塞尔的建筑研究期间,对空间叙事的迷恋成为他作品的核心元素,并主要以行为艺术和展览的形式呈现。 在过去的10年里,Giusto Lo Bochiaro为欧洲两家最著名的博物馆技术学和通信办公室担任展览设计师,为世界上一些最大的博物馆构思项目。这位艺术家发展了一种不凡的线性叙事技巧,但感觉他失去了一些不那么直接的、更“不言而喻”的叙事工具。 Giusto Lo Bochiaro的最新系列作品是他重新点燃这种激情的方式,探索了植根于情感而非语言的交流概念。 Giusto lo Bochiaro目前在德国慕尼黑生活和工作。

  • Golsa Golchini

    Golsa Golchini

    Golsa Golchini出生于伊朗德黑兰,作为一名视觉艺术家和摄影师,她自2004年以来一直在米兰生活和工作,并于2010年毕业于布雷拉美术学院,主修视觉艺术系。这位艺术家的作品有着非常独特的艺术风格:它既是油画,又是用浓厚颜料堆叠起来的雕塑。将人物形象与跳跃的颜色结合在一起,每一幅作品都像是摄影机一般,捕捉到一个个特定的生活场景。“我用自己的艺术作品来与我的观众交流:我们所做的事情、使用的物品、以及感受到的情感,这些日常生活中的琐事总能引起共鸣,它们是如此普通,就像我用来作画的纸板一样。我的目的是让我的观众沉浸在作品中,让他/她以不同的方式看待世界和日常行为。虽然我的艺术作品很简洁,但它们通常表达的是具有挑战性的情景。我努力让我的作品乍看之下似乎很容易理解,但在看似一目了然的表象之下,它们想要讲述有史以来最深刻的故事。如果一位艺术爱好者观赏我的作品之后告诉我,他们能够将自己代入我作品中的角色,那对我来说,这次艺术创作的目的就圆满达成了。”

  • Gustavo Amaral

    Gustavo Amaral

    Gustavo Amaral目前在圣保罗生活和工作。他通过编织、粘合和缝纫各种人物形象碎片到纸、织物和其他媒介上,创造了迷人的拼贴画。 这些人物形象碎片来自旧杂志和书籍,有些甚至是他本人的照片或图像,Gustavo Amaral希望以此重新诠释和唤起个人和普世的情感,探索诸如人体、建筑和集体意识等主题。 Gustavo Amaral的拼贴画展示了一种“感官的宇宙”——一种被建筑分割的城市对话;一个被世俗欲望和无尽懊恼所缠身的人。 他对拼贴和绘画技巧的运用是一种对过去的重新意义,他的作品探索了我们与身体的矛盾关系:我们选择和装饰自己的栖息地,并出于自己的各种欲望来设计自己的生活。

  • Hanna Schibel

    Hanna Schibel

    Hanna Schibel在维也纳美术学院学习抽象绘画和平面艺术以及版画技术,师从Erwin Bohatsch, Gunter Damisch, Veronika Dirnhofer和Christian Schwarzwald等艺术家。 从一个天真的方法到详细的、随之而来的实施,她俏皮地结合不同的媒体,从绘画到雕塑和声音装置。自然形态、自我感知和社会结构被探索、分析和归类。在她的作品中总是有一种情感的方法。仅仅通过接近艺术对象就可以体验到直接性和生动性。艺术家的热情是促成、重新发现或加强理性和自己的世界之间的对抗经验,以便进入关于人类和社会基本需求的讨论。为了做到这一点,她使用可以听到、感觉到或以其他方式获得的对象。 情感具有社会意义,但在我们这个以业绩为导向的资本主义社会中,通常被当作一个附带问题。Schibel的作品是一个解放性的项目,关注心智、泛灵论和身份。 这位艺术家在奥地利维也纳生活和工作。

  • Helen Shulkin

    Helen Shulkin

    Helen Shulkin出生于白俄罗斯,毕业于莫洛季赫诺的一所古典艺术学校,并在白俄罗斯明斯克国立大学获得了美术和绘画学位。自2015年以来,这位艺术家一直在德国生活和工作。 Helen Shulkin的作品代表了以建筑为主导的后城市空间。她设想了一个新的虚幻时代的开始,在这个时代,城市将成为一个移动维度的集群,以抽象空间形状的形式分散在光的包围下。 Helen Shulkin的作品结合了高科技社会概念和构造的破坏。因此,她所描绘的空间对象具有令人难以置信的可塑性,在一个五彩斑斓的后现代风格万花筒中组合了体积和形状。这些空间以高度个性化的审美呈现,代表了后现代建筑的一种新体验模式。 Helen Shulkin目前在德国汉堡生活和工作。

  • Hollynn Wilcox

    Hollynn Wilcox

    作为一名平面设计师和美术老师的女儿,Hollynn Wilcox从小就相信艺术是人类必不可少的一部分。她从小就开始尝试艺术创作,熏陶在抽象艺术的感性与创作自由之中。她的作品充满活力和对比,她的创作过程受到艺术直觉的引导,并力求传达一种深度和生命感。“共情”和“自由”是Hollynn Wilcox艺术实践的核心要素。作为一名全职心理治疗师,她的工作围绕着各种拒绝和幻灭,无论是个人的还是社会的。她的目标是通过混乱和原始的表达形式来传达真实的情感。让真实的自我流露出来,拥抱不完美中的完美。“我想把我的灵魂画在画布上。”Hollynn Wilcox如是说。在画作中,她使用丙烯颜料和粉彩来创造深度和活力,每一件作品都呈现出自己不受束缚的生命。她的画布是一个不断演变的舞台,在这个舞台上,大多数绘画都经历了各种迭代,过去与现在层层递进,在不透明、半透明、大胆和柔软的图层之间交替,使她的作品捕捉到了一种运动感,以及一种时而喜怒无常、时而明亮和有趣的气息。“当一幅画作成功地成为自己的宇宙,观赏者可以暂时逃离至其中,那这幅作品就真正完成了。”

  • Ian Bertolucci

    Ian Bertolucci

    Ian Bertolucci是一名演员、设计师、摄影师和画家。他于2019年毕业于卡拉拉美术学院(the Academy of Fine Arts of Carrara),主修绘画和视觉艺术。他的写实油画的特点是鲜艳又浓厚的色彩、明亮又的强烈的光线,以及高对比度,这些元素一起定义了他几乎是照片一般栩栩如生的作品。“光”是Ian Bertolucci眼中的一切,他认为这是整个场景中最重要的元素。光明从黑暗中浮现,是一种令人安心的元素。虚无是他最害怕的事情之一,在他的想象中,那是绝对的黑暗。因此,他喜欢明亮的光线和强烈的对比,它们让他感到平静和温暖,仿佛身处灿烂的七月。作为一个完美主义者,Ian Bertolucci的画作虽以日常生活中常见的物体为对象,却都充满了细节,使这些我们熟悉的事物呈现出惊喜的一面。“我们的日常生活中有许多或大或小,或特殊或普通的时刻,它们使得我们的生活充满层次,让生命变得独一无二。而我的画作,就是向这些时刻致敬。我知道每个人日常生活中都面临挑战,它们令我们无法观察到周围的美。但艺术能让我们看到那些常常被忽视的东西,它证明即使是最微不足道的小事物,也可以充满魔力。”

  • Indiana Phillips

    Indiana Phillips

    Indiana Phillips 认为自己是一个真正的抽象表现主义者。她的作品灵感时常来自于观察颜色以意想不到的方式相互作用,以及她作品的纹理如何随着房间里的光影而变化。她喜欢笔触的运动和作品的构图,常常表现出她的无畏精神,这样在完成时就不会感到做作或计划。 Indiana 使用她视线范围内的任何工具或物体来获得所需的纹理。她主要使用油画颜料,但也使用墨水、房屋油漆、粉彩,甚至是喷绘漆。她的绘画过程是紧张而乏味的,无论她经历多少次循环,在完成一幅作品之前,她都会有不确定、纯粹的快乐、恐惧和成就感的时刻。 有时,Indiana会鼓起很大的勇气,在看了很长一段时间后,因为一种不平衡感或缺少颜色而改变几乎完整的艺术品。当艺术品真正完成时,她所有的感受都暴露在画布上。借此,艺术家希望观众能感受到她创作的每一件作品的开放和真诚。 这位艺术家目前正在她位于加利福尼亚的工作室工作。

  • Inese Verina-Lubina

    Inese Verina-Lubina

    拉脱维亚艺术家Inese Verina-Lubina毕业于里加艺术学校Janis Rozentals,之后在拉脱维亚艺术学院获得硕士学位。这位艺术家不喜欢把自己局限于单一一种艺术媒介。近年来,她一直在研究油画、雕塑和手绘的具象性。通过使用岩石颜料、复写纸、沙子、建筑填料,以及在小尺度水彩画中尝试日本水彩画和书法工具,Inese Verina-Lubina不断扩大她的媒介组合。她也喜欢创造自己的工具来创作她的作品中微妙色调的调色板。 Inese Verina-Lubina的画作是日常学习、素描和实验的结果。目前,她的目标是探索能见度低的环境中,自然元素在其中的形式:黑暗中的雨,雾和水。 Inese Verina-Lubina在她的祖国参加了许多展览,并在2016年获得了拉脱维亚艺术学院奖的提名,她的作品在世界各地的私人收藏中都能找到。目前Inese Verina-Lubina在拉脱维亚的Salacgrivas novads生活和工作。

  • Ivica Capan

    Ivica Capan

    Ivica Capan 研究我们对媒体图像以及数字时代的艺术家制作的图像的看法的变化。无论是古典神话和历史绘画中的主题,艺术史上的标志性作品,还是政治和流行文化中的人物,无论是数以百万计的传播,复制和保存,还是隐藏在博物馆库房的深处:从它们产生的那一刻起,这些图片就受到了不同程度的关注。哪些机制和环境导致了这种起伏,在注意力的晴雨表上越来越快地跳动?又如何解释感知曲线的长期的、既高又平的、连续性?即使艺术家怀疑传统的图片生产,因此不断地重新挑战它,但他还是认为 "绘画被要求承担视觉饱和的困难局面,并带来了重新创造新事物的经验和知识"。

  • Jacopo Tonziello

    Jacopo Tonziello

    在机械工程领域工作了10年之后, Jacopo Tonziello冒险进入艺术创作的世界,并开始用彩色铅笔作画。最初,他受澳大利亚艺术家Reg Mombassa的启发,专注于超现实主义风景画,后来过渡到高度写实主义,作为提高技术技能的一种方式,并很快着迷于使用细致的颜色重现生动的构图。 Jacopo Tonziello认为彩色铅笔的潜力还没有被充分开发,因为传统上,彩色铅笔被认为是为儿童、学生和艺术世界的初学者准备的——在转向更高级的作画技能,如丙烯或油画之前,彩铅是一种容易操作的基本工具。Jacopo Tonziello的目标是把每一幅画都作为一个机会来延伸媒介的使用,把自己从舒适区推到高度写实主义的领域,并在可能的情况下,加入个人的见解。 Jacopo Tonziello参加了2021年伦敦艺术双年展,并在参加2021年卢森堡艺术奖后,获得了The Pinacothèque颁发的艺术价值证书。 这位艺术家目前在意大利米兰生活和工作。

  • Jacques Salerno

    Jacques Salerno

    Jacques Salerno是意大利设计师、表演家、画家和视觉艺术家。她毕业于Perugini艺术学院和Carrara美术学院,毕业时她写了一篇关于解剖学和性学的论文,指导人们了解新的当代性学风貌。 Jacques Salerno的工作室位于Tuscany一个华丽的度假小镇,她的艺术目标是将自己对老好莱坞魅力的痴迷转化为现实。她的灵感来自80年代物质的富裕和过剩,并邀请她的观众享受一种更符合当代理念的过剩概念。 对Jacques Salerno来说,艺术是关于探索空间和色彩的。在她的作品中,她提供了关于我们在这个不断变化的世界中所占据的生活空间的愿景,并探索了各种主题如何在其中互动。她的目标是让人们意识到他们周围事物的美。 “对我来说,艺术创作是对那些使我们的生活变得不同的小时刻的致敬。所以我把注意力集中在我喜欢的细节上:物品、衣服和我周围的度假风景。” Jacques Salerno目前在意大利Tuscany生活和工作。

  • Jason Balducci

    Jason Balducci

    出生于意大利的艺术家Jason Balducci认为,在画布上做标记的行为 "打开了被深刻感动和感动他人的可能性之门"。 活跃的色彩、不均匀的层次、零碎的身体、素描的线条,以及非常规的技术和材料的混合,是他典型的表现手段。他认为艺术是一种实验和探索未知的方式,包括模特的内在个性和他自己的思想状态。对他来说,艺术的作用不仅是描绘现实,而且是主观地重新思考现实,开启对话,表达个人的联想,并找到新的意义。Balducci充满活力的构图超越了所看到的表面,"找到了那些看不见却能感觉到的地方",让观众参与到图像和感觉之间的深度对话中。 Jason Balducci的画作已经在国际上展出并被收藏。这位艺术家目前在加拿大和意大利之间生活和工作。

  • Javier Murcia

    Javier Murcia

    Javier Murcia接受过美术和解剖学的正规教育,他的艺术实践是对“活在当下意味着什么”的探索。物理和形而上学之间的关系一直是Javier Murcia的灵感源泉,他的作品探索了不同的感知模式:真实和超写实的平行世界。他以一种循环的方式来表达时间的概念,将人类和技术发展的过去、现在和未来交织在一起。 通过对解剖学的广泛研究,Javier Murcia正在寻求理解身体和我们生活经验之间的模式和联系。使用多种材料工作的丰富经验使他既有表达的自由,也给了他在雕塑媒介中充分探索这一主题的专业知识。在他的艺术实践中,人类头骨几乎被赋予了一种标志性的地位,并开始代表个人和集体的经验。

  • Jean Rim

    Jean Rim

    Jean Rim出生于首尔,毕业于Parson设计学院和旧金山艺术学院,她的作品表达了她作为治疗师、旅行者、画家、摄影师和表演家的经历。 Jean Rim的雕刻画有一定的物理性质。她的作品结合了水晶和花朵,灵感来自韩国漆器和镶嵌鲍鱼壳的家具、曼陀罗和祭坛。她还通过在分层的绘画表面雕刻鱼鳞般的痕迹来映射自然。这象征着小美人鱼从海洋到陆地的转变过程中的失落——类似于移民的经历,他们都失去了自己的声音,并找到了新的沟通方式。 Jean Rim曾在韩国首尔举办个展,并参加过The Other Art Fair。每年的6月12日,她都会表演“爱的一天”来庆祝跨种族婚姻日。2019年,她获得了秘鲁的居留权,时至今日,她是Cooper联合艺术学院和纽约一所公立学校的客座教师。目前,她主要在首尔和纽约的布鲁克林两地生活。

  • Jean-Luc Almond

    Jean-Luc Almond

    Jean-Luc Almond是一位新兴的英国艺术家,他于2013年从伦敦艺术学院的City & Guild获得学士学位。他的绘画作品曾获得多个奖项,包括卡斯艺术委员会的全国公开艺术比赛,Somerset House (2014)和La Galleria,Pall Mall 的“不公正”公开艺术比赛(2014),由受人尊敬的艺术评论家Edward Lucie Smith评审的最佳绘画奖。 Jean-Luc...

  • Jerome Tham Vo My

    Jerome Tham Vo My

    Jerome Tham Vo My是一个多学科的抽象艺术家。他在巴黎的Estienne学校学习绘画、应用艺术、排版、平面设计和视觉传达,现在是一名平面设计师。Jerome的艺术创作形式包括绘画、数字、雕塑、视频以及由饱和色度几何形式或神秘排版游戏组成的互动作品。他探索的主题包括对话与记忆、意识与无意识、可见与不可见。他专注于形式、颜色、排版、图形、空间和运动之间的关系,提出了一种代表他乐观世界观的视觉体验。Jerome的艺术创作过程包括构建一系列数字图像,将它们打印在画布上,然后用画笔创造纹理和微妙的灯光效果来修改它们。在Jerome的作品中,色彩是交织形式的向量,带着观众踏上了一段旅程,并将我们带入一个色彩宇宙。这位艺术家目前在巴黎生活和工作。

  • Jerusa Simone

    Jerusa Simone

    Jerusa Simone是一位来自波尔图的葡萄牙艺术家,她毕业于Escola Artística do Porto的美术专业。杰鲁萨 西蒙尼的绘画方法是基于日常的个人经历、反复出现的情绪和记忆。  在她的创作过程中,天真烂漫的图画经常出现在抽象的背景中,没有预先存在的想法.这使她能够将绘画作为一种基于自发运动和直觉选择的行为。 巧妙、非正式的线条赋予普通物体以形状,并与人物组合在一起,再现了熟悉的视觉符号和陌生感。她的所有作品,不管是哪种媒介,都包括重建符号和意义之间的联系,她使用抽象和具象的形式、颜色和纹理来刺激观众的视觉和智力。 在过去几年中,她一直在探索 不同的媒介,从绘画到视频艺术。这使她 有机会在不同的背景和地方展出她的作品, 包括葡萄牙、意大利、沙特阿拉伯、英国、希腊、西班牙、美国, 以及瑞士。...

  • Jessica Baron

    Jessica Baron

    Jessica Baron来自加拿大魁北克,毕业于文学与创意写作、艺术史和纺织设计专业。这种不同领域专业的混合以及她从14岁开始对油画的热情的结合在一起,成为她新兴艺术生涯背后的驱动力。如今,她的背景已经成为她作品中不可分割的一部分,并反映在色彩和纹理的强度上。 Jessica Baron的作品富有表现力和自发性,灵感来自于印象派的一些基本元素,如开放的构图和对自然景观温和地抽象化。时间的流逝、光线及其变化的性质,以及戏剧性的天气变化,都影响了她作品的基调。她用下意识的律动进行创作,主要使用调色板刀来刻画笔触,这些笔触不是混合的,而是并排应用的。 Jessica Baron目前的艺术作品围绕着协调各种充满对比的感知,并在宁静的风景画中创造出戏剧性的氛围的整体视觉效果。她通过使用高色度对比和精心选择的柔和色调来达到这种迷人的效果。 Jessica Baron在爱尔兰西部目前生活和工作。

  • Jessica Moritz

    Jessica Moritz

    法国以色列裔艺术家Jessica Moritz毕业于巴黎美术学院(ENSBA)。2006年,她获得了LVMH年轻艺术家奖,在2008年她又获得了TAKASAGO奖。Jessica Moritz特别着迷于光卓越和迷人特性,在她充满活力的作品中,其目标是在混乱中创造秩序,建立和谐的平衡。Jessica Moritz目前生活和工作在以色列的特拉维夫,在那里,包豪斯运动的清晰痕迹仍然可以在城市的建筑中找到,包豪斯运动中的著名艺术家Josef Albers也启发和激励了Jessica Moritz对色彩理论进行研究。可持续性是Jessica Moritz艺术实践的核心。她的作品使用的是她在旅行中收集的回收材料,她对其进行改造,赋予它们新的用途,避免无谓的消费主义。

  • Jessica Poundstone

    Jessica Poundstone

    Jessica Poundstone的作品受到色彩感知、极简主义和体验式的“光与空间”艺术运动的影响。她的艺术创作过程是非常直观的,一切皆为一个目标服务:为观赏者构建一个进入艺术主观体验的任意门,通过视觉感受更深的欢乐、冒险和智慧,提醒人们生活的无限可能,并探索“我们是谁”和“我们可以成为谁”。“我相信艺术是关爱自我一部分,它改变了我们看待、思考和感受生命的方式,并最终成就了我们。”Jessica Poundstone如是说。Jessica Poundstone的作品已在Anthropologie、旧金山现代艺术博物馆、Designlovefest等机构展出。这位艺术家目前生活和工作在俄勒冈州波特兰市。

  • Joanna Pilarczyk

    Joanna Pilarczyk

    Joanna Pilarczyk是伦敦当代具象画家,她出生于波兰,在齐罗纳戈拉的艺术大学学习,拥有视觉艺术和艺术教育的硕士学位。 在十多年前搬到伦敦后,Joanna Pilarczyk立刻爱上了这座城市。多样化的文化和充满活力的能量让Joanna Pilarczyk感到惊讶和着迷,她开始为北伦敦艺术家圈子里的熟人和朋友画油画肖像。在她充满生命力的新绘画作品中,她专注于休闲、亲密、自我意识、与他人的关系和大自然。 “在我的新作品中,我探索了‘静止’这一主题。在某个静止的时刻,人们都是无忧无虑的。”这位艺术家如是说。 Joanna Pilarczyk的作品经常在国际上展出,最近,她在伦敦Saatchi画廊的Start Art Fair展出了她的最新画作,并在Oink画廊的个人展览“我的天堂”中展出。她还在伦敦诺丁山的J/M画廊举办了一场群展。

  • Jonathan Riggall

    Jonathan Riggall

    Jonathan Riggall has painted his whole life and it took many years of...

  • Jordanna Ber

    Jordanna Ber

    Jordanna Ber拥有设计学士学位,这让她走上了一条专业的创意道路,她曾经为杂志设计时装和美容板块的内页,以及与MTV、Roxy和娇韵诗等品牌合作。2016年,她离开多伦多,到英国攻读MBA。现在,她正在西班牙Costa Brava一座古老的石砌屋上建立自己的艺术事业和梦想中的工作室。 乍一看,Jordanna的彩铅现实主义绘画几乎像是摄影作品。只有走近一点,眼睛才能看到铅笔的笔触和层次的混合。在白色背景上玩弄比例和视角,让她精心策划的、引人注目的主题变得栩栩如生,从纸上跳出来吸引你。Jordanna的每一件原创作品都需要80-200小时的创作时间。 现在,Jordanna的作品可在欧洲和北美的画廊里找到,收藏者遍布伦敦、巴黎、巴塞罗那、柏林、纽约和多伦多等多个国际都会。

  • Jostein Bernal Eriksen

    Jostein Bernal Eriksen

    Jostein Bernal Eriksen是一位挪威裔智利画家,他几乎痴迷于探索立方体的无限潜力,并擅长运用色彩、几何和光的构成,这些元素往往能够相互作用产生出韵律感。 Jostein会说四种语言,并用这种能力来探索我们对现实的感知,以及不同语言对我们生活中各种决定的影响。他看到了颜色和形状的选择是如何受到语言的影响,进而创造出复杂的视觉表达。 二维画布与Jostein所画的三维物体混合,给人一种漂浮在这些维度之间的感觉。Jostein的作品反映他在语言、宗教和文化维度上的感受,以及他在日常生活中进出的身份认同。这种语言混合的结果是,Jostein发展了自己的视觉语言,这些充满丰富色彩的“词汇”被他用来创造视觉诗歌。通过这一点,艺术家为每幅画提供了一种掌握色彩、节奏和构图的体验。

  • Julia Mann

    Julia Mann

    Julia Mann是一位自学成才的视觉艺术家,1987年出生于德国兰道。她在19岁时发现了自己对艺术的热情,并创作了她以女性为主题的第一幅抽象作品。在Julia的艺术成长过程中,她的母亲扮演了重要的角色。 Julia的作品通常色彩丰富,风格气势磅礴,在视觉上挑战观众,邀请他们潜入一个无忧无虑的世界,并意识到自己的力量。Julia目前研究的主题是自我实现,着重于一个人的个性和能力的发展。Julia的作品是凭直觉创作的,因为她追随每一种颜色、每一笔和每一个时刻。Julia把她的艺术想象成灵感的来源,给人们一种生活中的轻松和快乐的感觉。她的动机是捕捉一个瞬间——感受的瞬间。 Julia的画作已经得到了国内外私人收藏家的青睐。她目前在德国美因茨生活和工作。

  • Katherine Lee

    Katherine Lee

    Katherine Lee是一位重建对地点、时间和情感反应的感知的画家。她是胡言乱语的鉴赏家,对壮观的场面和无声的挑衅都很熟悉。虽然她的作品带有现实主义的特征,但Katherine Lee并没有试图复制自然世界,相反,她尝试打破它,并经常使用黑色幽默或令人放松的并置来揭示感知的复杂性。 Katherine Lee目前在新墨西哥州的Santa Fe生活和工作。

  • Kathrin Wenzl

    Kathrin Wenzl

    为了寻求色彩、形状和最终整体画面的和谐,Kathrin Wenzl用她自己的清晰线条、尖锐的边缘和充满活力的色彩风格进行了大胆的尝试。虽然她的作品(主要是山脉及其形态)可以被归为具象景观,但作品的主题也可以被解读为纯粹的抽象实体。 Kathrin Wenzl的画通过立体的效果,散发出一种吸引力和魅力。力量和气场的融合产生出纯粹的和谐与平衡。 Kathrin Wenzl于2009年在维也纳美术学院完成了她的艺术学业。她的作品曾在维也纳的多个个展和群展中展出。自2020年以来,她一直在维也纳Gredlerstraße 4的工作室工作。

  • Katie Voyt

    Katie Voyt

    Katie Voyt是一位抽象混合媒体艺术家,她在位于马萨诸塞州科德角的家庭工作室生活和创作艺术。 Katie Voyt通过分层的渲染、透明、几何形式和各种纹理和材料(丙烯酸、油彩、石墨和画布上的马克笔等等),创作出能够唤起了个人的经历和印象的作品。 Katie Voyt的画作大胆、自由、充满情感,它们打破了矩形框架的边界,以自己的方式与观众交流,并激活了周围的空间,创造了情感的流动。Katie Voyt让自己的观察、思考和记忆以独特的形式呈现,从而与观众和建筑空间产生对话。

  • Kim Peters

    Kim Peters

    Kim Peters一直在寻找她作为一个个体的存在意义,直到11年前的一天,她拿起画笔的瞬间,她知道这段寻找的旅程结束了。Kim Peters的艺术风格结合了对油画和经典主题的热爱与现代重塑的情境化。她的艺术目的不是将“美”理想化,而是使用更非传统的方法,通过可视化的内在生活,用灵魂来表现它。她通过在人类的情感和艺术形式之间建立联系,邀请观众去以更近的距离欣赏画作,解读潜在的信息,也去看得更深入。Kim Peters的作品提出了一个挑战:在这个动荡的年代,是时候静下心来重拾人类千万年来对希望的渴求。目前Kim Peters生活和工作在西班牙马德里,她的艺术作品在世界各地都有私人收藏,并在许多国家展出,包括巴塞罗那的欧洲现代艺术博物馆(MEAM)。

  • KNÖ-REI (Angela Viola Knöckel-Reinöhl)

    KNÖ-REI (Angela Viola Knöckel-Reinöhl)

    KNÖ-REI是一个画家,平面艺术家和设计师。对包豪斯艺术的热爱启发她从艺术生涯的早期阶段就努力追求几何和极简主义。 KNÖ-REI通过严谨的形式和引人注目的色彩组合,将复杂的视觉信息简化为基本要素,并在冷静和紧张之间创造一种共生关系。无论是视觉上还是触觉上,她的构图都以几何形式语言邀请观众进入感知和深刻的对话。 KNÖ-REI的作品细致、热情、富有诗意。她巧妙地处理建设性的矛盾,寻找古典和数字方法之间的联系。她偶尔会使用以前的作品作为创作新作品的素材,但每一件作品都是一种新的野心,有着很高的审美标准。有时,达到正式、色彩和材料一致性的过程需要数月甚至数年。 最近,KNÖ-REI获得了世界上最负盛名的混凝土建筑艺术奖的提名。她的作品被世界各地的收藏家所收藏。 KNÖ-REI目前在德国生活和工作。

  • Kotaro Machiyama

    Kotaro Machiyama

    Kotaro Machiyama是一位出生于日本的画家和插画家,他大胆而多彩的抽象作品获得了多个奖项,并在日本和韩国的许多著名画廊展出。 Kotaro Machiyama的作品核心是两个原则:对接近某个对象的渴望和在另一个时空而不是当下思考这个对象的过程。 “我想画它,因为它很美”和“我想变成它,因为它看起来很酷”或“我想唱歌,因为唱歌似乎很有趣”对我来说是一样的。这是第一个原则。 对于第二个原则,艺术家进入了一个创作的过程,他重新解释对象,并将其渲染在一个平面上。构图的过程,色彩的提取,以及色彩的重建,帮助他从日常生活中脱离出来,开始用一种不同寻常的方式和时间来思考对象。其结果或许更令人困惑,它将观众从标准的参照系中抽离出来,迫使他们以不同的方式思考。 Kotaro Machiyama目前在日本东京生活和工作。

  • Krayem Maria Awad

    Krayem Maria Awad

    Krayem Maria Awad是维也纳的叙利亚裔画家、雕塑家和诗人。他出生在巴西尔,后来移居奥地利,在维也纳技术学院学习电信工程,并进入维也纳经济学院学习。在这之后,他在维也纳美术学院进行系统的艺术专业学习。在20世纪70 - 80年代,Krayem Maria Awad因其众多的水彩画作品而获得国际认可。 在Krayem Maria Awad目前的作品中,他使用了多种不同的媒介,比如将沙子和灰烬与油基颜料混合,并经常用他自己的诗歌来作为艺术品的补充。 但Krayem Maria...

  • Kristin Holm Dybvig

    Kristin Holm Dybvig

    Kristin Holm Dybvig生活在挪威西海岸,靠近北海边缘的峡湾和山脉。这片美丽多变的风景的色彩为她的作品提供了无尽的灵感。 虽然Kristin Holm Dybvig一直被艺术所吸引,但新的事业发展机会让她决定专注于艺术总监的职业生涯。她搬到英国,在那里学习艺术和艺术治疗,之后她作为一名艺术治疗师,主要为儿童和年轻人服务。画画这个爱好跟着她走了很多年,终于在三年前,她决定把所有的时间和精力放在自己的艺术事业上。 Kristin Holm Dybvig喜欢用干粉彩创作,并以一种直观的方式创组:以自己的手作为工具。这让她的作品散发出一种空灵的感觉,一种在其他画作中很少遇到的柔软。Kristin Holm Dybvig的作品充满活力地探索了她周围色彩的内在亮度和活力——影响它们的性格的对话、动作和流动,以及如何将它们转化为姿态、形状和线条。 Kristin...

  • Kristin Moore

    Kristin Moore

    Kristin Moore在德克萨斯州出生长大,在洛杉矶奥蒂斯艺术与设计学院(Otis College of Art & Design)获得艺术硕士学位。离开家乡求学的经历激发了这位年轻艺术家的怀旧之情,她试图在自己的作品中捕捉这种感觉。Kristin Moore的绘画流露出对美国西海岸风景的渴望和热爱,如果你醉心于美国公路片或者是西海岸标志性的美感,那你一定也会爱上这些作品。Kristin Moore的作品总是能够带着观众踏上一段视觉之旅,沿着无尽的高速公路,在无尽的夜空下俯瞰令人印象深刻的城市景观。这些绘画几乎是电影般的快照,编织了一个关于旅行爱好者的故事,探索了自己内心的经历,一路上为大家呈现了西海岸独特的人文景致、历史建筑和流行文化元素。

  • Kristofir Dean

    Kristofir Dean

    Kristofir Dean拥有安大略艺术与设计大学(OCADU)的学士学位。他的几何抽象作品旨在捕捉全光谱的色彩。从宝石、玻璃和其他半透明物质中汲取灵感,Kristofir Dean在大胆、硬边风格的绘画中捕捉到它们空灵的光彩。从远处看,他充满活力的作品似乎是三维物体,挑战着观众的空间视觉。而当你近距离观察,这些画作让观者沉浸在色彩斑斓的世界中,充满感官的愉悦刺激。“对我来说,绘画通常是一种幻觉,或者是对已经存在的事物的一种诠释。我的目标是通过光、色、影的运用,以最简单的方式扭曲我们对空间和形式的理解。”Kristofir Dean如是说。Kristofir Dean的画作已在多个国家的画廊展出。他的作品被复制为温哥华南格兰维尔BIA的壁画和横幅,并被汉密尔顿美术馆委托创作大型壁画。

  • Kyle Sorensen

    Kyle Sorensen

    加拿大艺术家Kyle Sorensen因其几何抽象的风景画而闻名。受立体派和硬边绘画的启发,他用断裂的丙烯风景画为传统流派提供了新的艺术手法。他的作品核心是将这些三维的大陆块减少为最简单的二维形式,并用大胆的颜色和锋利的过渡来呈现。 “不管出于什么原因,我总是从一个吸引我的地方开始我的创作过程。我会拍一张照片,过段时间之后再看这些图像,因为我的大脑会把这些图像简化成各种几何形状和颜色,代表那个地方给我的感受。” Kyle Sorensen用亚克力和加拿大桦木画板描绘了他去过的地方的记忆碎片。这些画作给观众一种熟悉的感觉——就像他们以前去过那里一样。最终的艺术作品不是对现有空间的复制,而是一种能够激发观众的其他感官和思考的图像。 自2013年首次个展以来,Kyle Sorensen的作品已在加拿大众多画廊展出,并获得“BMO 1st Art Award”提名。Kyle Sorensen目前在加拿大生活和工作。

  • Lara Messina

    Lara Messina

    Lara Messina是一位抽象画家,毕业于米兰的欧洲设计学院。她在作品中有意识地使用混合媒介和不同的构图,展示了她所受教育的双重性质——艺术和技术,以及她对平面设计的热爱。Lara Messina以日记一般的方式仔细地解构了她的个人经历,并将它们重新配置成新的、抽象的、充满色彩的形状。通过她的作品,Lara Messina旨在向观察者传达她对生活事件的个人感知,将内省转化为反思。这位艺术家主要在原始画布上创作,使用丙烯颜料、油画颜料、马克笔和木炭。她完全放弃了素描阶段,因为对她来说真正重要的是留下她在那一刻的真实印象。总的来说,Lara Messina的绘画色彩丰富,充满童趣,但也包含黑暗的方面:作为一个完整的人,它们应该被视为她真实自我的延伸。“我的画是我的思想和情感在画布上的翻译:我的笔触创造出反复出现的形状,这些形状与我内心的现实深深相连。”Lara Messina如是说。Lara Messina目前生活和工作在意大利的Trieste。

  • Laura Iseley

    Laura Iseley

    在Laura Iseley的拼贴画中,她旨在复兴短暂的事物。尽管每一张纸的起源完全不同,她的作品却能通过手工精心切割和组装,创造出统一而有层次的世界。自2019年以来,Iseley在废弃物品中找到了灵感。她一边进行着工作室艺术的辅修课程,一边用手术刀将书籍、杂志和报纸变成她的艺术媒介。Laura Iseley通过仔细筛选旧货店的垃圾箱,有时甚至是在路边废弃垃圾箱中找到她所需要的创作材料。 作为一个土生土长的北卡罗莱纳州人,Laura Iseley会花几个小时在皮埃蒙特地区大量的古董和旧货商店里搜寻,为每一幅拼贴画寻找完美的复古画框。虽然画框是二手的,但每个画框都与它里面的作品在美学上相匹配,并成为最终艺术品的一个组成部分。 Laura Iseley的原创拼贴作品已经被瑞士、澳大利亚、加拿大和美国的私人收藏家所收藏。2022年,她加入了国际拼贴协会,成为这种艺术创作风格的公认创作者。

  • Laurent Prudot

    Laurent Prudot

    线条雾化成斑点,在画布的空间内振动——Laurent Prudot的作品是两种对立的抽象原则之间持续对话的产物:一方面,精确而系统的几何,另一方面,强调痕迹、错位和其他Laurent Prudot决定保留的作品创作过程中产生的“绘画”意外。 Laurent Prudot生于1968年,他说自己成为一名画家这件事几乎是偶然的。在装饰艺术学院和ESAM学习后,他涉足插画、戏剧海报平面设计等。绘画,只是他在他的业余时间,比如周日或晚上消磨时光的方式。直到一个晚上,偶然的机会下,他发现了一个新的绘画过程:“Monotempreinte”,这后来成为他的典型艺术风格。 由于这种经常使用随机工具渲染的技术,Laurent Prudot的画作散发出一定的节奏感。它们有不断变化的颜色,重复的、几乎强迫性的主题应用,以及这种逐渐变化所创造出的催眠效果。

  • Lebohang Motaung

    Lebohang Motaung

    Lebohang Motaung出生于南非的Sebokeng,曾就读于Vaal理工大学,在那里她获得了版画专业的美术学位。2015年,当她在约翰内斯堡的Artist Proof Studios获得版画优秀证书后,她的职业生涯加速发展,各种国际机会开始向她走来。 2014年,Lebohang Motaung在约翰内斯堡参与创作了一幅宣传人权的壁画,并为约翰内斯堡的Hollard大楼设计了另一幅壁画,她为Zazi设计了一个宣传年轻女孩避孕意识宣传广告牌,她还为南非视觉艺术网络(Visual Arts Network of South Africa)在Cosmo City进行了一个研究项目。2015年,她在美国波士顿美术博物馆学院进行了为期4个月的实习,在那里她学习了先进的凹版技术。2020年,她参与了“封锁收藏”活动,该活动捕捉了南非在疫情期间封城的情况,旨在支持弱势艺术家。...

  • Lucy Cade

    Lucy Cade

    Lucy Cade的作品受生活和记忆的经验,感知的虚幻和中介性质,以及这些东西可以如何在绘画中表达所启发。她的本科在牛津大学学习古典文学,同时在罗斯金美术学院做兼职学生。在这之后,她在牛津布鲁克斯大学完成了一个艺术基础课程。 Lucy Cade的画中的对象扮演着一个个角色,捕捉着现实存在的虚幻本质。他们所处的空间放大了这些角色的情感负担。Lucy Cade经常捕捉到一个犹豫或过渡的瞬间,她的绘画从多次重新构筑图像的过程中呈现出一个复杂的线条模式。在绘画中隐藏的涟漪效应强调了作品的物质支持,并参考了艺术家的“世界即外观”的概念。从而唤起一种个人和普遍的顿悟感。 Lucy Cade的油画曾在Modern Art Oxford、众多艺术博览会和Midlands画廊以及伦敦的Mall Galleries展出。她目前在英国的Rutland生活和工作。

  • Lutfia Muntasser

    Lutfia Muntasser

    自学成才的纤维艺术家Lutfia Muntasser的艺术生涯开始于编织、绗缝和刺绣枕头与格纹。多年来,她把学习和练习这些技能作为一种爱好,但这些技能把她带到了艺术领域。她不使用绘画、绘画等传统艺术媒介,而是尝试用棉花、羊毛等织物和纤维创作艺术品。如今,这位艺术家对色彩和纱线的热情使她创作了多个复杂的刺绣艺术品系列。 Lutfia Muntasser的艺术创作过程非常直观,不需要绘图或采样。作品的样子完全由创作过程随心决定,这意味着每件成品都是独特的。 “通过我的艺术,我发现了关于我自己非常重要的东西。第一,我很有耐心,第二,重复性的工作不会让我害怕。事实上,我喜欢重复的节奏,但我也可以在重复的过程中突然改变模式。因为在我的成长中,我身边一直有色彩鲜艳的北非地毯,源于对北非地毯的回忆,我喜欢使用充满活力的颜色。” Lutfia Muntasser目前在瑞士生活和工作。

  • Lyazzat Khanim

    Lyazzat Khanim

    Lyazzat Khanim在 2012年毕业于阿斯塔纳的UNESCO艺术学校,并于2017年在纽约Parsons设计学院获得学士学位。毕业后,Lyazzat Khanim创立了环保品牌“5:45 AM”,主打极简主义理念。在纽约做了一段时间的时装设计师后,她决定搬到伊斯坦布尔。Lyazzat Khanim受到她所居住的多样化城市启发,通过深入研究当代绘画媒介,继续她的创造性探索。 Lyazzat Khanim的超写实艺术作品将注意力集中在我们日常环境的简单和美丽。她的作品描绘了一些似乎逃离了日常现实的简单物品,这唤起了人们内心的扰动和错位感,但也引发了一种迷恋感。她的一些作品反映了当前社会的消费主义问题,但这位艺术家的主要兴趣在于不断尝试将生活中种种“存在”的碎片存档,将她的个人体验置于公共维度。 Lyazzat Khanim目前生活和工作在哈萨克斯坦的Astana。

  • Madeleine Gross

    Madeleine Gross

    Madeleine Gross接受过专业的摄影教育,毕业于安大略艺术设计大学,并获得美术学士学位。 Madeleine Gross将摄影和绘画结合在一起,来表现我们是如何生活在现实和幻想中的。她用充满活力的笔触描绘了世界各地的田园风光,呈现出一种独特的艺术表现形式:部分照片,部分绘画,照片现实主义和抽象主义同处在一个框架内。 Madeleine Gross旨在阐述我们的情绪和期望如何影响我们对人和地方的感知,要求我们考虑我记忆和日常经历中有多少是对感觉、希望和梦想的投射。她的作品经常表现女性形象的美、力量和爱,而其中的抽象元素让观众在其中看到自己与他人情感的关系。 Madeleine Gross的作品在世界各地展出和销售。它们曾出现在《i-D》、《The Coveteur,》和《Interview》等刊物上,以及迈阿密艺术博览会、Palm Beach Modern +...

  • Maggie Hall

    Maggie Hall

    Maggie Hall是一名自学成才的艺术家,她在多种不同的媒介上创作其艺术作品。其中包括油画、多媒体作品、版画,甚至是目前大热的NFT。当你第一次看到Maggie Hall的作品时,你会发现她对极繁主义美学的痴迷。通过将大家熟知的典故进行混合,她颠覆了社会的先入之见,以一种新颖的方式来创作波普艺术:电影和漫画书中的女主人公在她充满活力的饱和色调中重现,复古的花卉瓷器上刻着暗示性的文字,这是Maggie Hall的专属意象宝库。“我喜欢过分花哨和多愁善感的媚俗,手绘字母、霓虹灯、豹纹、迪斯科球、黄金等等,所有夺目的元素我都想用在我的艺术创作上。More is more才是硬道理。”Maggie Hall如是说。

  • Maldha Mohamed

    Maldha Mohamed

    Maldha Mohamed是一位自学成才的年轻艺术家,她从15岁起就开始追求自己的艺术生涯。她的厚涂油画多是人物的局部肖像,以一种现代的方式呈现,并带有一丝超现实主义。它们发自反映了人类的行为和情感,也反映了她内心深处的想法和梦想。这些作品立体般的表面,它们的色调和颜色,以及光线的呈现方式,都赋予了画作不可思议的生命力。然而,由于这些肖像只画出了局部,那些超出了画布的范围的内容,给观察者留出许多遐想的空间。“我喜欢局部以外的整体神秘感。我喜欢把它们看作是未完成的对话和无法充分表达的情感。它们是某种挥之不去、欲说还休的存在……”Maldha Mohamed如是说。Maldha Mohamed目前生活和工作在马来西亚,她的作品已经成为各种国际群展的一部分,如在德国巴库的柏林画廊,以及许多个展,其中最著名的是她2019年在马尔代夫Jen: Shangri-La酒店的展览,题为“Hiyala——马尔代夫民俗的洞察”。

  • Malwina Chabocka

    Malwina Chabocka

    Malwina Chabocka毕业于伦敦中央圣马丁艺术学院和波兰华沙美术学院。她有插画、动画和写作的工作背景,并逐渐确定了她的领域和表达语言,而后将绘画作为她的主要焦点。 Malwina Chabocka的艺术探索着重于人类普遍的情感和心理方面。人类的性作为人类情感、思想和行为背后的核心驱动力之一,是她探索的主要领域。她着迷于心灵最黑暗的角落,对人们不愿承认的事情感兴趣:他们隐藏的欲望、被压抑的感情和内心的冲突。她的作品围绕着理性思维与我们拼命抑制的原始本能的交叉。宽容、多样性和同理心是她寻求表达的核心价值观。 “我想激励人们拥抱我们凌乱的人性,赞美人性中所有的美与丑。” Malwina Chabocka的作品曾在英国、葡萄牙和波兰的个展和群展中展出,她目前在荷兰海牙生活和工作。

  • Malwina Puszcz

    Malwina Puszcz

    Malwina Puszcz的作品充满活力,她从几何抽象的艺术运动中汲取灵感,特别是在20世纪50年代和60年代初建立的硬边绘画。Malwina Puszcz深受那些叛逆的艺术家的启发,他们创造了自己客观的绘画风格,抛弃内容,追求形式。 Malwina Puszcz对她作品的夸张而复杂的解读不感兴趣,她更想分享她内心的敏感,而不是其他可以用语言表达的信息。为了做到这一点,她运用了一种异乎寻常的纯粹的形式和颜色,它们的相互作用吸引了观众,使眼睛在充满活力的形状和充满活力的颜色变化的世界中无尽地漫游。 Malwina Puszcz目前在波兰的Gdańsk生活和工作。

  • Mansoureh Salati

    Mansoureh Salati

    Mansoureh Salati是一位出生于伊朗Isfahan的画家,从19岁开始了她的艺术职业生涯。自23岁开始在她的工作室任教以来,她认为是时候做出改变了,并于2016年搬到意大利。此后,她参加了在罗马、巴黎和巴塞罗那举办的各种展览,目前正在米兰Brera学院攻读绘画硕士学位。 在Mansoureh Salati的作品中,她将色彩从设计中分离出来,让每一种色彩遵循它们各自的轨迹,直到它们相交并重新同步,以此形成一种和谐。她的彩色线条没有起点和终点,这让她的作品无限延伸。 “我希望这些彩色线条在观众的脑海中挥之不去。我希望它们能和他/她的日常活动联系起来,并继续发挥影响。” Mansoureh Salati从伊朗地毯上的复杂图案中汲取灵感,这些图案吸引了人们的目光,渗入了想象力,让观众迷失在它们展示的花朵中。她喜欢深入研究这些地毯的二重性,它们被困在地板上,但同时又为观众提供了自由飞翔的想象力。 Mansoureh Salati目前在意大利米兰生活和工作。

  • Marco Ortolan

    Marco Ortolan

    Marco Ortolan的作品在超现实主义和印象派之间摇摆,同时显示出与意大利文艺复兴艺术遗产的明显联系。构图和光线在他的作品中起着决定性的作用,他总是从彩色绘画开始,然后将人物转化为宽泛而精确的笔触,从而形成最终的精致画作。“作为艺术家,我们的角色是唤醒观众的感性的一面和对艺术的敏感性,因为艺术与人的灵性是相连的。”Marco Ortolan如是说。

  • Marianna Raikkala

    Marianna Raikkala

    从很小的时候起,Marianna Raikkala对艺术和创造力的热情就成为了她身份认同的重要组成部分。在生活中,她一直通过绘画来表达自己的思想。 Marianna最大的灵感来源是光明与黑暗的对比,她还从大自然和各种各样的材料和纹理中受到启发,并试图在作品中复刻出生命的概念。她对不同深度的质感和可能性的欣赏也体现在她的绘画中。Marianna努力保持她的创作过程尽可能纯粹和直观,让手上的颜料引领道路。 对Marianna自己来说,她的作品中最大的细节就是给观众留下一些思考的东西。“我的艺术是对每个人的邀请,让他们沉浸在自己的想象中。当人们能从我的一幅画中找到属于自己的东西时,我才真正觉得自己成功了。” Marianna Raikkala目前在芬兰赫尔辛基生活和工作。

  • Marija Zdravkovic

    Marija Zdravkovic

    Marija Zdravkovic于2010年获得贝尔格莱德美术学院绘画专业学位,目前正在攻读博士学位。这位艺术家的所着迷和研究的艺术主题是自然的结构及其随时间的变化。 Marija Zdravkovic经常冒险到大自然中去观察和拍摄,在回到她的工作室后,她会试图重现这些外拍和它们所唤起的情感。通过钻研记忆和情感之间的“中间空间”,她捕捉到所拍照片唤起的感觉,并画布上重建了体验。 Marija Zdravkovic的艺术实践跨越了广泛的媒介和艺术表现形式。她不断地寻找最好的方式来传达她的想法,她不局限于一种媒介、风格或概念。她创作的每一件作品都汲取了她的过去、知识和对未来的憧憬。无论她采用何种表达方式,她的主题都是“时间”的概念,因为她试图捕捉发生在自然世界和她自己身上的变化。Marija Zdravkovic的目标是抓住一个对象的核心,并开始理解其最细微的细节。 Marija Zdravkovic目前在塞尔维亚的在贝尔格莱德生活和工作。

  • Matteo Mauro

    Matteo Mauro

    Matteo Mauro将模拟和数字工具相结合,创作出具有鲜明当代感的艺术品。他迷人的雕塑借鉴自意大利的艺术遗产,但提供了一个令人耳目一新的经典体裁。然而,这位艺术家并不局限于雕塑,Matteo Mauro的工作室创造了广泛载体的艺术作品,包括绘画、视频艺术、装置和AR(增强现实)作品。Matteo Mauro的雕塑作品使用了青铜及树脂材质。他认为树脂只能传达“形”,而青铜则同时传达出“形”和“神”。树脂材质的艺术品可供观赏并能提供愉悦的视觉体验,青铜材质的艺术品则能和你进行精神上的对话。这些雕塑作品充满古典主义元素,他觉得自己与意大利辉煌的艺术历史有联系,这也是他的工作室一直在挖掘的东西,但他也在创作一些看起来与历史脱节的作品,这些作品更受当前新一波艺术的创作趋势影响。这位艺术家说,他喜欢站在其他艺术巨匠的肩膀上,从一个最近或几千年前就已经成功的想法入手进行艺术创作。Matteo Mauro相信艺术是一个共享的旅程,从第一个人类开始,前仆后继。他今天的创作将永远与艺术史上任何时刻的创作联系在一起,因为艺术家们是同一条艺术长河中的流动之水。

  • Meera Palia

    Meera Palia

    Meera Palia来自伦敦,是一位自学成才的抽象表现主义艺术家。在教授社会学和哲学的同时,她开始在业余时间凭直觉绘画,并通过艺术课程上的实验发现了自己对抽象艺术的热爱。Meera采用混合媒介的方法,主要使用丙烯酸颜料、油彩和拼贴画,创作出自发的、富有表现力的有趣作品。 Meera一直被艺术形式的自发性和即兴创作所吸引,并追求创作出能够反映 “自由”、“在当下”理念的抽象艺术。因此,她的绘画是没有计划的,整个艺术创作过程中出现的颜色、纹理、标记,都由她当时内心的情绪或思想演变而来。 Meera是艺术家团体All She made的成员,她的作品被收录在他们即将出版的向全球艺术收藏者介绍新兴艺术家的书中。

  • Michèle Caspers

    Michèle Caspers

    "抽象能够将我们从事物的具象思想中解放出来,并将我们的意识提升到另一个水平,即使只是一瞬间。" Michèle Caspers最初学习的是时装设计,甚至创立了自己的品牌,但即使在那段时间里,她也没有停止艺术创作,甚至还获得了家乡Velbert的青年艺术家赞助奖。2016年,她终于决定出售自己的时尚品牌,从那时起,她就全身心地投入到自己对艺术和设计的热情中。 在她的作品中,Michèle Caspers通过和谐流动的渐变来表达她的情感。它们是一种邀请,让我们暂停一秒钟,真正地享受当下和以及其无尽的小细节,让我们迷失在色彩中,让我们想起生活的这些片段是多么美丽。Michèle Caspers的目的是提醒观众不要让时间在不知不觉中流逝,未来的事情未来再去考虑,我们应该活在当下。 Michèle Caspers的作品已经在德国各地展出。

  • Milena Paladino

    Milena Paladino

    Milena Paladino在波兹南的Adam Mickiewicz大学获得艺术史学位后,决定追随自己的热情移居意大利。为了寻找合适的媒介来表达她的创造力,她进行了广泛的探索,最终创作出了使用打针技术的纺织品作品。 Milena Paladino专攻静物,她的作品展示了形式和形状的精致和简单的组合安排。在对形式的本质和纯粹的不断追求中,对清晰、比例感与和谐的渴望引导着她。这使得她的作品既简约又感性。 打针技术和羊毛或羊驼毛等天然面料的使用,令Milena Paladino的作品具有强烈的视觉冲击性,并增加了感官方面的刺激。这些作品的卓越之处在于,它们不仅关注线性或色彩构成,还呈现出一定的触感。因此,她的作品既满足了观众的视觉需求,又满足了与艺术作品亲密接触的触觉需求。 Milena Paladino目前在Reggio Calabria生活和工作。

  • Miles Phillips

    Miles Phillips

    Miles Phillips是一位在阿姆斯特丹生活和工作的画家。他在维多利亚大学获得了美术(荣誉)绘画学士学位。通过他的作品,Miles Phillips把他的观众带到另一个世界:他的每一幅画,虽然乍一看似乎很简单,但却包含着另一个空间,就像我们感官的深处一样广阔。 Miles Phillips喜欢用明亮欢快的色调创造出一种柔和超然的光芒,油漆混合物和谐地融合在一起,仿佛它们是一个整体,连接着比生命更伟大的东西。崇高的气场突出了氛围。通过每一幅尺寸紧密的画作,Miles Phillips捕捉到了诱人的能量和自然美协调融合的平衡。

  • Min Ray

    Min Ray

    Min Ray是来自澳洲维多利亚州西区的一位新兴视觉艺术家。2018年初至2020年底,她在墨尔本理工大学和北方艺术与技术学院学习。在学习期间,她获得了墨尔本理工大学的杰出成就奖和优秀奖。 当Min Ray发现了通过抽象和色彩的力量来制作视觉故事的方法时,她找到了自己的创作之声和一种确立她在世界上独特存在的方式。 Min Ray用她的标志性的硬边几何抽象风格,通过大胆的颜色、几何形状,以建筑形式和结构模式来讲述故事。她的作品受到了20世纪早期到中期的艺术运动和风格影响,如包豪斯、色彩场、欧普艺术和极简主义,这使她用更加抽象的视角来观察世界。 Min Ray试图通过色彩的心理学和几何形式的象征主义,用抽象绘画来描绘室内和室外的场所、主观体验和记忆。

  • Moran Trabelsi

    Moran Trabelsi

    Moran Trabelsi是一名多学科的设计师和艺术家。在接受正规的时装设计教育后,她在时装、平面设计和产品设计领域工作过。最初,这位艺术家对陶瓷的热情只是一种爱好,但很快就变成了她的全职职业,并在特拉维夫开了自己的工作室。 受大自然及其图案所吸引和启发,Moran Trabelsi对海底生物有着特殊的热情,这些生物是无尽进化的产物。在她的陶瓷艺术中,她通过创造放大的、几乎超凡脱俗的贝壳,赋予了自己对海洋生物的迷恋一个物理形态。 Moran Trabelsi的所有作品都是手工制作的,包括捏、卷和板的方法,由各种陶土制成。每一件作品都是先精心制作一个轮廓,然后用软粘土分层和雕刻,以达到贝壳曲线的美感。 “我研究生命形式的特征,参与幻想的主题,并在静物中创造一种运动的感觉,这些事物对我的吸引力塑造了我的雕塑语言,包括了对抽象曲线和倾斜的使用。” Moran Trabelsi目前在以色列特拉维夫生活和工作。

  • Natasha Lelenco

    Natasha Lelenco

    Natasha Lelenco拥有罗马尼亚克卢日纳波卡大学(Romanian University of Cluj Napoca)的美术学位。在成为全职艺术家之前,她曾在罗马尼亚为剧院、音乐节、艺术机构从事摄影、视频制作和手绘插图工作。Natasha Lelenco认为她的作品既是个人传记的一部分,也是她对艺术史的自我叙述。她认为艺术是一种超脱于语言的交流工具,它通过时间和世代将人类联系在一起。在她的艺术实践中,她将传统的象征主义和技巧与当代的艺术实践相结合,同时使用常规和创新的艺术媒介作为她的交流工具。Natasha Lelenco的作品曾在里斯本的JustLX、马德里的HybridArtfair以及巴塞罗那的ArtsLibris等艺术博览会上展出,也与一些国际知名的音乐节有深度合作,如墨西哥三年一度的提华纳,德国Büdelsdorf的Nordart,和马德里的HybridFestival。这位艺术家目前在西班牙的Ourense生活和工作。

  • Nate Nettleton

    Nate Nettleton

    加拿大艺术家Nate Nettleton用抽象雕塑来探索简约和进步的重要性。通过赋予二维的线条、涂鸦和漩涡以第三个维度,他将看似微不足道的单一标志提升到一个引人注目的符号,提醒观众生活中甜蜜的小事物的重要性。他的每一件作品都是用线锯手工精心切割的。 Nate Nettleton的艺术品在北美的各个画廊展出,被加拿大、美国和英国的许多机构和私人所收藏,并出现在加拿大和美国的许多艺术出版物上。

  • Niki Hare

    Niki Hare

    自学成才的Niki Hare以其标志性的文字画在英美艺术圈获得不错的反响。在她的眼中,日常生活里有很多难以表达的情感和意识,而这些由英文单词构成的文字画能够将这种“一切尽在不言中”具像化。正因为如此,Niki Hare的作品带有强烈的个人色彩。Niki Hare认为,每一句“老生常谈”都有它不明示的道理。当你欣赏她的作品,你会发现画作上的文字层层重叠,有些文字被埋藏在另一些文字之下,若影若现中,仿佛在揭露表象以下的真实。Niki Hare对颜色、透明度和分层的独特运用象征着她创造一种新的视觉语言的雄心。她的作品往往充满活力,传达出一种深度和动感的感觉,有些词突出,有些则淡出,在词与词之间的相互作用中创造出第二种叙述,这种叙述远远超出了它们各自的含义。Niki Hare的作品并不局限于画布,她的项目包括明尼阿波利斯地区的大型壁画,Burton的滑雪板设计,伦敦希尔顿银行外墙的大型绘画,以及芝加哥新地产项目the Mason的55幅委托绘画。

  • Nikolaos Schizas

    Nikolaos Schizas

    Nikolaos Schizas于1982年出生在希腊北部小镇Kastoria。从小时候起,Nikolaos就表达了他对绘画的兴趣,尽管他主修经济学,但他在2010年代成为了一名自学成才的画家。 Nikolaos擅长创作动态的抽象画,它们由充满活力的色彩飞溅和笔触组成,传达出强烈的运动感和流动性。他的灵感来自一种探索无意识的感觉和被压抑的情感。Nikolaos采用了一系列的方法,通过将丙烯酸、喷漆和树脂混合在一起,从直接在画布上喷涂、浇灌和滴下颜料,到混合使用传统画笔和非传统工具(如铲子)来制作横扫式的涂抹笔触。 作为一个自学成才的画家,他通过自己的作品表达了对绘画物质性的自然和直觉的热情,以及对充满情感的色彩关系的本能欣赏。他清新而充满活力的美学立场结合了抽象表现主义、超现实主义和流行主义,似乎来自一个梦幻而神秘的境界。

  • Nina Mayrberger

    Nina Mayrberger

    Nina Mayrberger很早就发现了自己对艺术的热爱,画画和手工制作是她最喜欢的休闲活动。她的父母非常支持她对艺术的喜爱,但和大多数父母一样,建议她找一份“真正的”职业——所以,像她之前的许多艺术家一样,她从事的是平面设计工作。 在接受平面设计教育期间,全班同学都被鼓励画抽象的东西,但Nina最后总是在画布上画一些具象的东西。并不是说她没有尽力去完成给定的任务,而是不管她付出多少努力,抽象画根本不适合她。 Nina总是被象征主义和明亮的颜色所吸引,并很快就形成了一种大胆的视觉风格:以鲜明的对比为主导,云是一个反复出现的主题。她希望观众自己来理解她的画。 Nina Mayrberger目前在奥地利维也纳工作和生活。

  • Norris Yim

    Norris Yim

    Norris Yim把他的作品作为一种诗意的自我表达形式。他的个人观察、回忆和想象构成了他充满活力的绘画和他对精神满足的追求的起点。他的作品中的人物通常是匿名的,他们的脸被强有力的笔触所掩盖,因为这位艺术家说,他“通过颜色来观察人”,如果人只有思考却没有想象力,只有生存却没有灵魂,每天忙碌于各种过眼云烟般的事物,任务越多,定义的细节就越少,那张面孔便会越模糊。“即使那副面孔就在我眼前,我却看不清他/她的眉目。”“在我的艺术作品中,外表并不是最重要和最显著的特征——也就是说,外表并不是一个人最重要的东西。我透过颜色来观察和定义一个人。每个肖像都需要不同的颜色。颜料代表我当前的感受和心情。我用自己的内心的感知去认识和定义一个我画的人。我的情绪构成了作品的基础。”

  • Nourine Hammad

    Nourine Hammad

    Nourine Hammad的艺术风格是高度写实主义。她的画是如此真实,甚至有裸眼3D的错觉,使人很难相信它们不是真的。她选择的艺术媒介和作画技巧取决于作品的主题,可以从粉彩(这在高度写实主义中很少见)到彩色铅笔、水彩,甚至是木炭。对现实的高度尊重和没有过度艺术化地处理,Nourine Hammad创作出充满惊人细节的艺术作品,它们极其简单,但同时又极其复杂。它们拥抱了现实世界不完美中的完美。关于她的阿拉伯字母气球系列,身为埃及裔英国人的Nourine Hammad说:“我一直有一个想法,把我的背景和文化融入到高度写实主义中。由于高度写实主义是国际性的,不属于某个特定的身份,所以我决定通过这个系列给我的画赋予个性。阿拉伯书法、字体和曲线是一种独特的艺术形式,我必须学习每个字母的不同形状,以便将这两种艺术无缝结合。”

  • Oksana Vinnichenko

    Oksana Vinnichenko

    Oksana Vinnichenko是一名自学成才的艺术家,她在2019年拥抱了自己的艺术天赋,并迅速发展出一种真实的绘画风格。如今,她想与世界分享她画笔下的美好。“我从周围的事物中寻找艺术创作的灵感;大自然的美是我最大的缪斯。我从小就对花卉很着迷。我记得在童年的日子里,我祖母的花园里长满了开花的植物,每次我从祖母家经过的时候都能闻到花香。我永远不会忘记它们的美丽。时至今日,这段回忆仍然温暖着我,在我难过的时候开导我。我一直想表达我的感受,但我没有找到合适的语言向世界展示我对自然美的品味。因此,我开始把我的内心和灵魂倾注在我的画中,以此传达我的情感。我创作写实的植物画,注重细节和微妙的暗含,尤其特别注意那些容易被忽视的元素。”这位艺术家如是说。

  • Olga Bezverkhaya

    Olga Bezverkhaya

    Olga Bezverkhaya是毕业于米兰欧洲设计学院的具象画家。她将注意力转移到日常生活中,希望用自己的作品让观众停下脚步,思考和理解当下的自己。 Olga一直在探寻介于物质丰富的现实世界与人的精神的联系和统一,她对人与自然之间的关系很感兴趣,并将自然视为通往更高境界的道路。 Olga正在研究颜料的转化,让意志与颜料在不可预知的力量的对话中创作艺术,让颜料的自由流动与更真实的“可控”图像相连。 Olga Bezverkhaya目前在意大利米兰生活和工作。

  • Olga Gál

    Olga Gál

    Olga Gál来自罗马尼亚的特兰西瓦尼亚地区。那里是她的主要灵感来源:她对动物和恬静田园的热爱。她的混合媒介绘画在艺术和插图之间取得了平衡。凭借对细节的敏锐观察力和大胆的配色,她给这些作品赋予了生命,它们似乎体现了一种玩味和欢乐的感觉,而她的作品的标题则传达了它们所浓缩的故事。 “我认为这些作品里面隐藏着一些幽默,并能打破平日里灰暗的气氛。” Olga Gál目前在保加利亚生活和工作。

  • Ollie Phillips

    Ollie Phillips

    Ollie Phillips是一位自学成才的艺术家,他有数字艺术和插画的职业背景。疫情期间,他发现自己被彩色铅笔画所吸引。他目前的作品,他收集在 "潜意识 "的标题下,灵感来自于社交媒体建立的无形联系。所描绘的场景直接受到Instagram上他人分享的朋友圈的视觉启发。别人希望只有特定的朋友分组在24小时内才能看到的图像,却被Ollie Phillips通过绘画固定成不朽,这种行为既是一种评论,也是艺术家欣赏我们日常生活的证明。彩色铅笔的重度混合层生动地描绘了捕捉到的瞬间,而Ollie Phillips的笔触则创造了一种运动感。 Ollie Phillips发现,创作这些作品是一种逃离他的封闭环境的方式,并在一个更个人化的层面上与人们产生联系。他将继续增加这个系列的作品,因为他并没有停止从人们公开分享的朋友圈中获得灵感。 Ollie Phillips目前在伦敦南部生活和工作。

  • Pava Wülfert

    Pava Wülfert

    Pava Wülfert的作品包括绘画、雕塑和装置。他最近的艺术创作是把绘画作为一个实验室,自由地探索各种绘画技法。他的作品将题词、碎片、多样性、异质性、多元文化、跨文化、杂交、混合、循环、迁移、污渍、错误和线条作为工具,创造了一种新的山水和人物描绘的概念和方法。 “简单,绘画,空间,标志,姿态,线条,平面,颜色,表面,形状,点,笔触,感官。事物。” Pava Wülfert的作品已经在美国、丹麦、意大利、法国、荷兰、西班牙、厄瓜多尔、玻利维亚、墨西哥和哥伦比亚的展览中展出。这位艺术家目前在哥伦比亚Ibagué生活和工作。

  • Peter Tauber

    Peter Tauber

    在Peter Tauber的作品中,他专注于腐败的不同外观以及由此引起的联系。他的过程是寻找不完整性的理想形式,同时在衰变本身中找到某种完整性。 漫画的永恒和普世的特性为Peter Tauber提供了大量的自由,并打开了一个新的视角。对他来说,它们构成了处理恐惧、困惑、身份丧失和英雄崇拜等主题的理想素材。在他的画中,超级英雄的世界是颠倒的,并在混乱和秩序之间保持平衡。 Peter Tauber目前在维也纳和布达佩斯生活和工作。

  • Piper Bridwell

    Piper Bridwell

    大胆的色彩和深刻的情感层次定义了Piper Bridwell作品。Piper Bridwell出身于一个艺术世家,在家人的影响下,她很小的时候就接触到了艺术,但直到将近而立之年她才发现艺术是她的激情所在。 Piper Bridwell的绘画作品经常与画框连为一体,她解释说,这一风格起源于她对一幅由父亲传承给她的画作的二次创作。她想让那副古典主义的油画融入自己现代风格的公寓,于是她在古典的画框上进行作画,这一创作过程启发了她,塑造出她独特的艺术风格。 Piper Bridwell的作品是大胆的,其表面有厚厚的纹理,让观赏者想上前去伸手触摸。这些作品看似非常的极简主义,却能传达出一种让观赏者微笑的情感。Piper Bridwell将她的作品描述为一种从内心到双手的溢流,是她自己的情感和乐观性格的直接表达。 “我的作品来自内心深处,表达我真诚的喜悦和感恩之情。我内心深处有一种与生俱来的创作欲,激励人心的作画过程是我前进的动力。”

  • Prozzorrr

    Prozzorrr

    Vladyslav Prozorenko和Diana Tarhonii都是室内设计师和当代艺术家。两人于2018年毕业于基辅文化艺术大学环境设计专业。 他们出生在乌克兰的不同地区,从小就开始了他们的艺术创作之旅。在Vladyslav Prozorenko的青少年时期,他喜欢水彩画、肖像和素描,而Diana Tarhonii则沉浸在用水粉和丙烯颜料捕捉乌克兰的风景。 在大学相遇后,两人决定合并他们的创作实践。作为设计师,他们努力创造一些现代和时尚的东西,当然,也是独特的。他们最终想出了一种新技术——用木刻字母创作出迷人的作品。完成第一件作品后,他们发现这就是他们一直在寻找的东西。所有作品都是手工绘制的,每件作品都有不同的字母排列和一个秘密的立方体,使其独一无二。 “我们意识到这些画不仅仅是我们的爱好,也是我们灵魂的一部分。这是我们愿意与他人分享的一部分。” Vladyslav Prozorenko和Diana Tarhonii在乌克兰基辅生活和工作。

  • Rachel Patrick

    Rachel Patrick

    Rachel Patrick来自苏格兰中部,是一位自学成才的水粉、油画和丙烯颜料艺术家。她此前在伦敦生活了几年,在那里她开始为一些绘本做插画。2020年初,她开始全职投入绘画,当时她每日专注于绘画练习以提高专业技能,并开始在社交媒体上分享自己的作品。 怀着对当代静物场景的关注,Rachel Patrick用充满活力的用色和现实主义元素赋予她的作品生命力。她的作品涉及很多主题,包括但不限于食物和饮料、化妆品、日常家居用品和动物。色彩的大胆使用加上怀旧的主题,很好地唤起了观众对童年和玩耍的记忆,并提醒我们,在日常生活中,那些被我们熟视无睹的物品中也有美的存在。

  • Radhika Choudhary

    Radhika Choudhary

    Radhika Choudhary最初是德里NIFT的时装设计毕业生,如今,她是一名几何艺术家。她所受的专业时装设计教育背景帮助她塑造了个人设计语言,现在转化为她的艺术风格。 Radhika Choudhary的作品是她生活的直接窗口,探索了她的个人思想、情感和经历。她的作品是用丙烯在画布上创作的,风格简约、明亮和干净。它们涉及到一个不同的几何形状的世界,排列成一个平衡的,有凝聚力的模式,相互作用,并唤起和谐和喜悦的感觉。每一幅作品都是为了传达Radhika Choudhary的情感,他们引人注目,令人愉快,同时以颜色和形状的魔力捕捉观众。2020年,Radhika Choudhary开始了自己的艺术和设计实践:A Linear Dot。 Radhika Choudhary目前在印度新德里生活和工作。

  • Randy Morales

    Randy Morales

    美国海军老兵出身的艺术家Randy Morales用富有表现力的图形视觉语言创作了以流行和街头文化为灵感的作品,充满了怀旧情绪。他的题材选择受到了自己90年代童年的影响。因为Randy Morales的大部分经历都是局外人的感觉,所以在他的作品中,他专注于那些不那么“明显”的受欢迎,但却能在情感上引起共鸣的对象。 作为一名生活在华盛顿州的年轻的非裔美国人和波多黎各人,这位艺术家并不总是有机会在艺术上表达自己。在完成兵役并获得FIDM学位后,Randy Morales开始在一些主流品牌担任时装设计师。 Randy Morales的艺术简单而直接。每一件作品都展现了他标志性的模棱两可的面孔。这意味着,因为这些作品是怀旧的,所以它们不需要唤起对快乐时光的记忆。 Randy Morales的抽象画围绕着一个大理石盒子,代表着他被禁锢的情感。盒子的单色代表着快乐和消极的混合感受。这个系列聚焦于心理健康,希望与观众建立更深入的联系。

  • Rawan Almukhtar

    Rawan Almukhtar

    Rawan Almukhtar是一名视觉艺术家和政治活动家,出生在巴格达,她在美术大学学习绘画。在离开伊拉克前不久,Rawan Almukhtar已经在Takrib当代艺术学院探索了“忏悔暴力”的主题。逃离伊拉克后,她有了新的机会,可以更直接、更批判性地处理政治问题。自2018年以来,Rawan Almukhtar一直在维也纳美术学院学习绘画。 2019年的十月革命标志着Rawan Almukhtar艺术和主题的新方向。对政权更迭和打击腐败的要求激发了这位艺术家的艺术创作和她在维也纳的政治活动。目前,她正在处理2020年巴格达10月革命中800名示威者被谋杀后国家默许的暴力问题。

  • Rebecca Trajkovski

    Rebecca Trajkovski

    Rebecca Trajkovski是一个自学成才的艺术家,她身兼律师、艺术家、妻子和母亲的多重身份,这促成了她包括各种风格、主题和媒介一系列的作品。 她的作品深受她的生活经历和个性的影响;有些作品被尖锐的线条和复杂的细节所限制,执行起来需要很强的纪律性,这反映了她敬业的职业道德。而其他作品则是自发创作的,没有束缚。Rebecca Trajkovski的作品是不断发展的,因为她喜欢寻找新的表达方式。 Rebecca Trajkovski是Georges River本地艺术家大奖的得主,Aspire Gallery Foot Square艺术奖的亚军,并已进入Blacktown城市艺术奖、Waverley艺术奖和Bluethumb艺术奖的决赛。 Rebecca Trajkovski目前在澳大利亚悉尼生活和工作。

  • Richard Jurtitsch

    Richard Jurtitsch

    Richard Jurtitsch从小就开始画画。在他最近的画作中,他专注于描绘被雨滴覆盖的窗户玻璃。这些“水滴画”以一种惊人的现实主义方式执行,但散发出一种神秘的气氛。它们只允许观众看到不清晰的表面,阻止我们看到远处的东西,从而决定我们在这个视觉故事中的位置。 “窗户本身是一个关于“渴望”的经典主题,它好像被一个不透明的窗帘覆盖着,拒绝了观众与外部世界的视觉接触,留下了超出想象的空间。” Richard Jurtitsch已在奥地利、德国、瑞士、意大利、法国、美国、瑞典、塞尔维亚、黑山、克罗地亚和新加坡等国举办过多个国际个展和群展,他还参加了许多国际艺术博览会。 Richard Jurtitsch目前在奥地利的在维也纳和布尔根兰生活和工作。

  • Richard Levine

    Richard Levine

    对复古动画、漫画和插画的兴趣使Richard Levine开始了自己在动画领域的职业生涯。这股热爱也体现在他的作品之中,他探索了标志性意象的几何结构。 从印刷师Jan Tschichold到op艺术创始人Victor Vasarely, Richard Levine的作品在具象和抽象之间徘徊。这些作品通过塑造新的形式,赋予了耳熟能详的卡通形象以新的生命。在他的创作过程中,一个意象经历了多个过渡阶段;它被渲染成3D图形,然后用图案包装。通过玩弄几何形状和色块,Richard Levine既暴露了图案的细节,又让他的观众欣赏人物的整体形态。 “我的工作是实验性的,有趣的,不受任何限制。这创造了充满活力、深度和运动的感觉。”

  • Rod Benson

    Rod Benson

    Rod Benson是土生土长的加州人,在圣地亚哥和洛杉矶长大。在他12年的职业篮球生涯之后,他决定探索自己作为一名优秀艺术家的天赋,并很快找到了自己的目标。 Rod Benson的第一次创作是他对拉斯维加斯警察暴行的反应。从那时起,他的目标就一直是阐述明亮的颜色是有色人种的组成部分。他开始创造一种被称为NEON BLACK的风格,他画人物的轮廓,只留下头发不受阻碍,其余的剪影,会同时成为前景和背景。在此过程中,他强调了人们对有色人种的感知与他们的现实情况的对比,通过与自己、所画对象或文化产生共鸣的符号来照亮黑人的经历。 Rod Benson的作品已经在从洛杉矶到韩国的本土及国际画廊展出,并在各种杂志和报纸上刊登。他的作品还出现在美国广播公司(ABC)的《新秀》(The Rookie)、美国全国广播公司(NBC)的《GRAND CREW》(GRAND CREW),以及各个NBA球员、名人和黑色艺术收藏者的家中。

  • Ronni Squizzato

    Ronni Squizzato

    拥有建筑和平面设计背景的Ronni Squizzato对强烈的几何形状和动态艺术充满激情。 他喜欢使用不同的工具,如胶带,模板,或任何可以帮助他打破结构规则的东西来处理每一张画布。 通过打破透视的规则和标准画布的限制,这位艺术家的作品用视觉上的错觉引起观众的好奇心,并用鲜艳、直白的颜色给予观众一种心理上的安全感。 “我的创作意图是使用清晰、可识别的形状的简单性来玩弄观众的感知,并提醒他们我们的眼睛很容易被欺骗。” 这位艺术家目前生活和工作在意大利的Resana。

  • Rudolf Cotroneo

    Rudolf Cotroneo

    Rudolf Cotroneo是意大利裔奥地利画家,在维也纳应用艺术大学接受教育,他的大气绘画将过去、现在和未来结合在一起。它们从存在主义的角度描述心理事件、旅程和地点。它们所唤起的时间和地点感让人想起现代旅行者,他们既孤立又无国籍。色彩和构图形成一种时态并置,代表了一种开放意识的时刻。艺术家用一种诗意的感觉来填补这段被捕捉的时间,一种在绘画中捕捉到的高度感知的瞬间。 Rudolf Cotroneo的作品在意大利多次个展上展出,他目前在奥地利维也纳生活和工作。

  • Sabine Aichhorn

    Sabine Aichhorn

    Sabine Aichhorn是来自奥地利的抽象画家,在维也纳应用艺术大学学习动画电影、绘画和挂毯艺术,在林茨艺术与设计大学学习纺织艺术与设计。 在转向抽象画和肖像画之前,Sabine Aichhorn花了数年时间与电影打交道。她经常以直觉为起点来创作抽象作品,对最终成品没有预设的方向。她作品中的几何形状源自于她对建筑的兴趣,线条、三角形和正方形之间的相互作用就是这一点的表现。除了几何形状的绘画,Sabine Aichhorn的肖像画经常提供对被描绘人物的自省,尽管是漫画风格,但她的画描绘了一种明显的人际对抗。 Sabine Aichhorn在国内外数个博物馆、画廊举办过许多展览,她也是阿姆斯特丹和洛杉矶的驻馆艺术家。这位艺术家目前在奥地利维也纳工作和生活。

  • Sara Hoque

    Sara Hoque

    Sara Hoque出生在北约克郡,母亲是挪威人,父亲是英国/孟加拉人。作为一个孩子,她有一个游牧、多元文化的成长环境,这反映在她现在的工作和生活中。童年时期,Sara Hoque的灵感来自威尔士和挪威的农村地区,大自然成为她绘画的主要主题。这位艺术家游历了许多不同寻常的美丽的地方,在那里,她对浩瀚的森林和大海感到敬畏。 Sara Hoque在伦敦Kingston大学学习美术。在她的研究期间,她接触到了过去的大师们的风景画,他们探索了“崇高”这一种难以理解的伟大品质,这为她个人在自然界的超越体验提供了背景。在她对艺术史及其运动的研究中,Sara Hoque着迷于超现实主义,以及它是如何将艺术与梦境和潜意识联系起来的。如今,Sara Hoque的作品主题已经发展到包括了意识状态的改变,并更深入地研究超验体验。 Sara Hoque目前在伦敦生活和工作,她住在一艘40英尺长的窄窄的船上。

  • Sarah Calandro

    Sarah Calandro

    Sarah Calandro在路易斯安那州立大学获得建筑学学士学位,在卡内基梅隆大学获得设计硕士学位,她从十几岁就开始画画。在多年的朝思暮想之后,她终于在2016年开始探索油画这一艺术媒介。 如今,Sarah Calandro是一名Wet-on-Wet技法油画家,描绘她所看到的发光的、抽象的事物。她使用有限的调色板和大画笔,在专注于一定的简约的同时,笔触也很松散。她的作品展示了对技术的强烈关注,因为她努力在尽可能少的笔触中捕捉光、空间和颜色的本质。虽然她的画有各种各样的主题,但对她来说,画什么并不重要,重要的是她如何画。 Sarah Calandro来自路易斯安那州的Baton Rouge,现在和她的丈夫、女儿以及他们的拉布拉多犬一起在德克萨斯州的Austin生活和工作。

  • Sarah Haynes

    Sarah Haynes

    Sarah Haynes出生在阿拉巴马州,但在巴哈马群岛和加勒比海长大,她有一个丰富多彩的童年。她的母亲在自家建造的一艘船上亲自给她上课,在船上接受教育所带来的孤独感,与她所处环境的美和波西米亚岛上生活的欢乐形成鲜明对比,最终促成了她成为一名艺术家。 在搬到查尔斯顿后,Sarah Haynes就读于查尔斯顿县艺术学校。她还在马里兰艺术学院学习,并在查尔斯顿学院获得工作室艺术学士学位。 Sarah Haynes的作品已被选入多个当地及国际展览,她的作品最近在“Talent Freaks The Web Series”中取得莫大成功。

  • Shams Ul Arfeen Hashmi

    Shams Ul Arfeen Hashmi

    Shams Ul Arfeen Hashmi于2019年毕业于国立艺术学院绘画专业,是一位拉合尔的视觉艺术家,也是一名活跃的演员和歌手。 这位艺术家的画作很大程度上是自传式的——他敏锐地观察到生活及其周围环境的不断变化,并打破了传统的风景画,通过在大画布上放大全景的局部来玩转构图。 为了在现实主义和抽象之间寻求平衡,Shams Ul Arfeen Hashmi使用了非常规的技术,如打磨,飞溅,滴落和擦动颜料。这种绘画、概念和诗意的结合塑造了他的艺术创作过程,而层次的逐渐积累则创造了一种吸引观众的深度感。 “我在心中想象自己要实现的目标,但不知道如何到达目的地。我的旅程从感觉和思想开始,然后是线条和颜色,在纹理之间创造一种和谐。” Shams Ul...

  • Shiam Wilcox

    Shiam Wilcox

    Shiam Wilcox在英国的运河和水路上生活、工作和旅行。她的小船“Fern”是她的漂浮工作室,她就在这小船上画画。她的油画以鸟类和植物为特色,以一种象征性的方式使用,灵感来自英国农村的民间传说、故事和迷信。 每一朵花都是精心挑选的,以赞美画中的主要对象——鸟的地位。Shiam Wilcox把她的主题从日常生活中分离出来,用大量象征性的植物群来支持他们,把他们提升到一个偶像的地位。准确的比例在Shiam Wilcox的画作中是无关紧要的。相反,她更喜欢用这些元素来突出她的主题,创造一个极尽抽象的花卉背景。她的绘画技巧受到了旅居者文化的影响,几乎所有的元素都是高度装饰性的,她的绘画反映了她在旅行中遇到的故事。 “作为一名旅居者,我试图用我的绘画与我不断变化的环境联系起来,并发现这些地方所承载的被遗忘的信仰和故事。” Shiam Wilcox目前在英国各地旅行和工作。

  • Sid E. Watters

    Sid E. Watters

    “遗产”是Sid E. Watters绘画的中心主题。“我们的努力最后还剩下什么?”是这位艺术家一直在思考的问题。在他的作品中,他的目标是捕捉一种幻想破灭的感觉,因为事实是,一生为生存、供给和爱而奋斗,到最后也是和躺平的人一样会死去。 Sid E. Watters的作品中对画中人物的遮盖强调了这一意图。包裹和部分模糊的黑色象征着时间的推移和最终的匿名性的侵蚀,使每一件艺术品成为一种工具和警告,让观众记住,一个人在这个世界上的时间是有限的。 Sid E. Watters的作品已经成为纽约、洛杉矶和慕尼黑多个展览的一部分。

  • Silvija Kicivoj

    Silvija Kicivoj

    从孩提时代起,Silvija Kicivoj就将艺术作为一种逃避现实的手段;当她在Düsseldorf学习纺织和时尚设计期间,这是她的发泄情绪的出口;而如今,艺术创作成了她自我反省和交流的工具。Silvija Kicivoj的作品灵感来自大自然和她的日常环境,她强烈关注颜色、形状和纹理之间的相互作用,她的艺术创组往往是一个严格控制和深思熟虑的过程的结果,自然流动的线条之间有一种秩序之美。“线条是我作品的基本形式。线条可以做很多事情,也可以做很少的事情——它们创造形状和对象,设置限制或指引方向。它们要么柔软、有机,要么尖锐、有棱角;它们可以通过精细的纹理或单色表面脱颖而出,或者淡化到背景之中。”Silvija Kicivoj如是说。

  • Šimon Kučera

    Šimon Kučera

    Šimon Kučera的艺术创作主要以绘画为媒介,但也有平面设计和雕塑。他毕业于斯洛伐克布拉迪斯拉发美术与设计学院,在第四工作室师从Ivan Csudai教授。 在大学期间,Šimon Kučera尝试了多种视觉表现来传达自己的艺术主题,最终确定了用几何抽象的语言来强调它。 目前Šimon Kučera正在数字环境中寻找他的下一个创作主题。他认为数字环境是我们存在的一个组成部分,它主要关注构成、颜色、形状和视觉错觉,这些元素构成了其创作的基石。 Šimon Kučera是一位活跃的艺术家,他已参加了许多国内外的展览,其作品被世界各地的许多收藏家所收藏。

  • Sonia Bensouda

    Sonia Bensouda

    Sonia Bensouda是一位在摩洛哥长大的法国艺术家,她在里昂获得室内建筑学士学位,尔后搬到伦敦,在伦敦艺术大学切尔西艺术学院攻读室内与空间设计硕士学位。她目前以独立艺术家和室内建筑师的身份工作。在充满生机与活力的摩洛哥长大,这段经历极大地影响了Sonia Bensouda的创作风格。研究色彩搭配以及开发更加精致的色彩组合成为了她创作过程的一个重要部分,而她作为室内建筑师的背景也加深和塑造了她对抽象艺术、几何构成的热爱。她的目标是将这些元素组合成一种普世的、跨文化以及种族的图形视觉语言。受哲学家米歇尔·福柯的“异托邦”和“过渡空间”概念所启发,Sonia Bensouda的作品是宏大的建筑和梦幻般的超现实美学的概念结合。她通过拼贴的艺术创作手法,以一种有趣的方式探索我们与现实和虚拟空间的联系:我们身体上和精神上对空间的同步占据,其实是两种本质上不同的存在状态。“我喜欢对‘过渡空间’这个主题进行创作:物理上你存在于一个空间,但精神上你存在于另一个空间。这个概念梦幻又迷人。”Sonia Bensouda如是说。

  • Sonia Bukhgalter

    Sonia Bukhgalter

    出生于意大利佛罗伦萨的Sonia Bukhgalter在很小的时候就爱上了了文艺复兴时期的艺术作品。在母亲的艺术工作室里,她学习了一些古老的绘画工艺,如镀金和壁画这些工艺都在她后来的作品里有所体现。在佛罗伦萨的一所美术学院求学期间,Sonia Bukhgalter致力于通过艺术形式来表达当代精神的升华。然而,当她毕业后没多久,新冠疫情爆发了。封锁期间,她的作品转变为传达一种更朴实但同样神圣的和平与安宁理念。为了填补疫情所带来的个人生活和人际交往中的某种缺失,她开始使用自然景观,主要是天空和云彩,来描绘自我情感和心理的风景画。“在疫情肆虐的当下,眺望外界或离开我们的家去体验自然世界的自由被剥夺了。在我的个人经历中,我发现大自然有一种令人难以置信的能力,它洗涤我们的心灵,重新唤起自己与世界还有他人的联系,也提醒我们不要忘记:‘人定胜天’只是一厢情愿的妄想。”她的作品在广袤的自然和个人情感之间建立了联系。镀金的表面上描绘各种景观和色彩,把观赏者的思绪联结到一种与大自然理想共存的状态,同时提醒画前的你我,人类只是大自然宏观叙事中的渺小的一部分。

  • Stella Tasca

    Stella Tasca

    作为艺术收藏家的女儿,审美和创造力一直是Stella Tasca生活的核心。她最初在罗马第一艺术学校和罗马美术学院学习装饰艺术。她随后获得了Ludovico Pratesi和Costantino D 'orazio的策展学位。 2003年,Stella Tasca在Trastevere开设了她的第一家画廊,成为当时罗马地下艺术的热点。由于她的作品经常与面料、印刷技术、挂毯和丝网印刷海报联系在一起,她在2006年开设了自己的第一家概念店。 Stella Tasca的艺术语言很大程度上源自朋克意象。她的灵感是迷幻、涂鸦和流行音乐的混合,这种组合创造了一种直接的、发自肺腑的体验,并构成了一种迷人的视觉交流形式。她的最新作品使用荧光色重新想象现有的古典人物。通过扭曲和重新诠释,Stella Tasca确保那些经典之作在这个完全不同的时代找到自己的位置。 Stella Tasca已与多家意大利画廊、博物馆以及国际知名品牌合作。她目前在意大利罗马生活和工作。

  • Stewart Cubillos

    Stewart Cubillos

    Stewart Cubillos是一位自学成才的艺术家,在洛杉矶郊区出生和长大。他主要以油画和素描为媒介,将他的主题与几何建筑相结合,使他的肖像具有惊人的立体感。他的每一件作品都旨在描绘他画中对象的某种心理深度——对定义他们的性格和情感的意识的一瞥。 Stewart Cubillos所画的人物表达情绪的方式,就像汽车的前灯和格栅可能暗示某些面部表情一样——这是他从小就着迷的东西。受卡通和电子游戏的沉浸式体验的启发,他将对细节的痴迷与想象力的自由结合起来,构建了自己独特的角色世界,用它来反思个人体验和放大内心的心灵。 作为一名受过古典训练的钢琴家,音乐的影响通过反复使用象征情感的主题和颜色渗透到Stewart Cubillos的作品中。他的画板是建立在基于音乐键的独立作品,他只使用主题所保证的音调。

  • Sue Jachimiec

    Sue Jachimiec

    Sue Jachimiec是一位抽象艺术家,她通常基于抽象景观的概念开始她的直觉绘画过程。她对色彩和丰富质感的热爱为每一次艺术之旅提供了动力。 通过对颜色的表面操纵和手势标记,Sue发明了在笔触之间暗藏玄机。一层又一层的油和蜡堆积起来,然后用实验的方式刮去。蜡和油屑在工作室的地板上积累,新的作品也在慢慢完成。 线条被切割、模糊和压制,用以揭示色彩的历史层次,曾经隐藏在厚厚的油和蜡下的场景开始发展。当Sue的视觉实现时,一件作品就完成了:表面颜色和排列结合在一起,构成了她心中艺术之旅的目的地。 Sue Jachimiec目前在美国弗吉尼亚州的里士满生活和工作。

  • Susanne Kirsch

    Susanne Kirsch

    Susanne Kirsch出生于1966年的法兰克福,在Rodenbach生活和工作。她的职业生涯让她在生活和艺术上都面临着新的项目和挑战。从2017年开始,Susanne Kirsch在Kolbermoor和Bad Reichenhall的艺术学院跟随Jerry Zeniuk教授和Ingrid Floß教授学习彩绘,这段经历帮助她为自己的作品找到了独特的气质。 通过色彩的相互作用,Susanne Kirsch在她的多层次的作品中巧妙地创造了空间深度的错觉。在艺术上,她追求的是一种独特的自由感,在创作过程中她找寻的是那种难以言喻的幸福时刻。 对Susanne Kirsch来说,“不完美”有一种不可抗拒的魅力,因为所有的缺陷和古怪使生活多姿多彩,假象背后的一瞥一直激励着她。她的目标是用自己的作品鼓励人们利用生活的可能性,以开放的心态发展和成长。 Susanne Kirsch的作品已参加了许多展览和艺术博览会,她还出版了两本国际艺术书籍。如今,Susanne...

  • Teodora Borz

    Teodora Borz

    Teodora Borz是罗马尼亚的视觉艺术家,她毕业于Cluj-Napoca艺术与设计大学视觉艺术领域的博士课程,她还是当地艺术高中的美术老师。 多年来,Teodora Borz的艺术实践已经从呈现生活中琐碎的一面转变为呈现生活中更深层、更黑暗的一面。她的最新作品来源于对脆弱生命的理解。她作品中的符号往往表达着悲伤和不安,被束缚在一个不确定的空间和时间里,徘徊和寻求出路。 Teodora Borz的作品已经在罗马尼亚的多个画廊和博物馆展出,并刊登在一些出版物上。她的作品也获得了一些奖项,如2016年马拉顿世博会评审团大奖以及意大利Frase达人奖。

  • THETIS

    THETIS

    Thetis曾是一名食谱开发者、儿童烹饪书作者和插画家。这位艺术家出生在厄尔巴岛,她的名字来自希腊神话,Thetis以海仙女的形象出现,她是水女神,也是阿喀琉斯的母亲。 Thetis一直喜欢创作健康、美味的食物——主要是蛋糕、美味的奶油和冰沙,但在某个时候起,她开始画画,因为她想让自己的创作真实、永恒。她喜欢用厚重的颜料堆叠为她的画作添加三维效果,并重现食物的蓬松质感。在她的作品中,她经常创作有趣的故事,作为一种逃避现实世界的形式——一个令人宽慰的虚幻现实。 Thetis现在是一名全职艺术家,在英国伦敦生活和工作。

  • Thomas Gouws

    Thomas Gouws

    Thomas Gouws来自南非,在2018年移民澳大利亚之前,他做了20多年的建筑师。从建筑背景中汲取灵感,他的极简主义混合媒体艺术作品体现了他在几何抽象领域的探索。 Thomas Gouws的作品体现了一种纯粹、干净的几何图形,结合了粗糙、崎岖的纹理和色调的配色方案。Thomas Gouws的艺术创作过程在很大程度上是直观的,包括分层形式,颜色和纹理,以揭示新的部件之间的相互联系。 Thomas Gouws的带有实验性的方法探索了各种媒介和材料,包括绘画木材拼贴。他使用柔和色系的灵感来自大自然,以此他融合了景观、时间、记忆和连结的概念。 Thomas Gouws目前在墨尔本附近的莫宁顿半岛生活和工作。

  • Tishk Barzanji

    Tishk Barzanji

    Tishk Barzanji是一位拥有美术和物理学位的视觉艺术家。他的作品可以与现代主义运动和超现实主义联系起来。Tishk Barzanji的创作灵感来自于他在库尔德斯坦的童年,以及他1997年搬到伦敦的经历。这位艺术家在伦敦的头几年,伦敦丰富而充满活力的文化让他大开眼界,激发了他对建筑和艺术的热情。 Tishk Barzanji的作品探索了空间和色彩,以及对边界的解构和打破。它让我们洞察在这个快速变化的世界里的生活空间,以及这些空间中的人类互动。

  • Tobias Lintl

    Tobias Lintl

    Tobias Lintl在慕尼黑和柏林长大,在维也纳从师Daniel Richter学习绘画。在他的作品中,他专注于精简和对比。Tobias Lintl的艺术创作的过程对他来说是一种冥想,一种停顿,一种完全专注于绘画本身的时刻,一种可以与佛教传统联系起来的练习。 Tobias Lintl的大部分画作都是围绕一个特定概念展开的系列作品的一部分。在他最新的系列“光的图案”中,艺术家在材料和色彩方案方面探索了传统和现代之间的游戏。 Tobias Lintl目前在奥地利维也纳生活和工作。

  • Unaiza Shahid

    Unaiza Shahid

    Unaiza Shahid毕业于Lahore女子大学美术学院,主修绘画。她的作品有两个决定性的元素:颜色和运动。这位艺术家对鲜艳色调的使用是最近才开始的,因为她以前的作品是比较阴暗的色调,结果对她的个人心态产生了消极影响。因此,她决定进行一次飞跃,通过深入研究新的艺术元素,探索能够提升她的情绪的艺术工具。她作品的黑暗背景代表了她以前与孤独和抑郁症的斗争,而她选择了一个热情洋溢的色调来刻画作品中的主角,展示了对这种黑暗的逃避。 Unaiza Shahid作品中运动的元素源于她对舞蹈的迷恋。“舞蹈是我一直珍视的东西之一,它从内心深处提升了我的情绪和心灵。”通过结合这两者,她想传达这样的信息:创造自己的快乐环境是可能的。她通过将普通的白色建筑改造成舞动的彩色结构来实现这一目标。而她所画的对象是与她有个人联系或着令她着迷的事物,她把它们--从而也是她自己--的故事改写成一个积极的故事。Unaiza Shahid使用的创作工具是软粉笔,因为它能够在画布上创造出生动的色彩和惊人的纹理。她的创作过程没有特定的计划或模式,完全是直觉的,并以情感为动力。Uniaza Shahid的作品曾参加过多个群展。这位艺术家目前在巴基斯坦的Lahore生活和工作。

  • Vaclav Koci

    Vaclav Koci

    在Václav Kočí的作品中,他将文本(注释、歌词、部分书籍、在互联网上找到的引用等)重新编写成可视化的代码。他的绘画包括重叠的透明层和充满活力的色彩系统,重新讲述了一个外部世界的故事,并以一种高度独特和个人的方式将它们可视化。Václav Kočí着迷于层次之中的细微变化,这些变化无论隐藏得多深,都能改变表面,改变图案和范式,这期发了他探索和解码颜色之间的内在关系,追溯它们的起源。“我经常思考事物是如何由层次构成的。层次的构成无处不在——地球、太阳、大气、树木和水果、动物和人类——一切都是由层次建立起来的,这一层又一层的构建里,既有物理意义,也有哲学上的隐喻。”这位艺术家如是说。Václav Kočí的作品已经成为许多国际展览的一部分,他目前生活和工作在捷克的Brno。

  • Valérian Lenud

    Valérian Lenud

    Valérian Lenud,或Valé,是一位在墨西哥城旅居了十多年的法国艺术家。在此期间,他发展了一种将具象构图与流行涂鸦美学相结合的艺术风格。他既在城市环境中创作壁画,也在画布上创作作品。 Valérian Lenud的作品是由无数层手工切割的模板构成的,并用喷雾剂、刷子、调色板刀和马克笔混合作画。在这种创作方式中,他结合了混乱的形状,五颜六色的背景和微妙的阴影,以打造迷人的肖像。 Valérian Lenud的作品对比了流行文化肖像与当地文化的意象,描绘了他在旅行中经历的社会的多面身份。街道的灰色与强烈的色彩并置,旨在向城市艺术致敬,同时展示生活的活力,为我们共同的人性提供一面镜子。 Valérian Lenud与许多画廊、社会项目、艺术节和商业品牌合作。他也曾被《福布斯》等许多出版商报道,并同捷豹路虎和蒙大拿色彩等公司有合作项目。 这位艺术家目前在墨西哥城生活和工作。

  • Vera Vizzi

    Vera Vizzi

    Vera Vizzi出生于米兰,她在米兰理工大学(Politecnico di Milano)获得了传媒设计硕士学位。完成学业后,她在平面设计领域工作了10多年。尽管像素是无限的,但对于这位艺术家来说,平面设计看似可以天马行空,却还是存在许多条条框框,于是她决定摆脱数字图形的严格规则,全身心地投入到“用双手去创造”中。受微雕模型启发,Vera Vizzi喜欢使用微雕和油画结合的方式,来讲叙一个故事场景,用自己的艺术作品做舞台,让作品里的小人模型活起来。“我用微小的物件和颜色来创作充满思想的作品:在一个乌托邦式的空间里,要么一切都很美好,要么一切都充满混乱。在我作品的微观世界,里面的人物唯一的义务就是作为一种微小的存在。我喜欢用视觉的方式和隐喻来探索人类灵魂的方方面面。当人们观赏我的作品时,我希望他们能发现自己面前的作品所描述的,是他们日常生活的一部分,但却由另一个声音来叙述,作品里的人物如此之小,让人们有一种俯视窥探般的上帝视角。”

  • Verena Wyss

    Verena Wyss

    Verena Wyss是来自瑞士的视觉艺术家,她有摄影专业背景,随后在瑞士圣加伦的瑞士纺织学院学习色彩设计。她最近的作品集中在丙烯和混合媒介上,它们经常在画布上产生充满活力的动感色彩。 Verena Wyss对内心世界和外部世界的感知构成了她绘画作品的基础。在无尽的好奇心的驱使下,她想要创造新颖、多彩的世界,她的画布经常以不同的位置呈现,并在许多图层上叠加创作,一层接一层,这些层次从四面八方汇聚。 Verena Wyss喜欢使用有机、随性的形状、表面和结构。创作出个人的绘画空间通常是一个非常漫长的工作过程,但对她来说却总是一种个人挑战,是一个质疑与反思的过程。

  • William Simpson

    William Simpson

    William Simpson形容自己的艺术教育是非正式的,或者说从没有系统性的接受过专业的艺术教育。他通过使用传统品牌、消费文化、流行文化和他自己的传统技术,创造了既模仿当代相关性,又展现了永恒消逝的过去的作品,反映了我们的现代世界。 从来自4、50年代的“黄金时代”真实复古素材,到1960年代的快速变化和剧烈动荡,再到1970年代和80年代的破碎的林荫大道和危险的街道,William Simpson旨在借鉴过去,通过创造与今天相关的当代艺术,对文化遗产和传统进行重新想象、编史和致敬。 William Simpson作品中的层次感和手工打磨的工艺赋予每块面板独特而原始的陈年外观。而且每块面板都用多种UV环氧树脂涂层完成,并将整幅画密封封装,就像一个刚出土的时间胶囊一样。 William Simpson的作品已被包括美国、英国、瑞士、法国、加拿大和澳大利亚在内的世界各地的许多收藏家所收藏。

  • Yoni Alter

    Yoni Alter

    Yoni Alter不断探索艺术和设计的领域。他极具活力的色彩作品游走于具象与抽象之间,形式与空间之间。他的作品以一种有趣的方式处理符号学、肖像学和极简主义的概念。它们鼓励观众反复浏览作品,给他们带来一种多彩的喜悦和兴奋。 在完成伦敦艺术大学平面设计硕士学位之前,Yoni Alter在耶路撒冷学习艺术和设计,自那以后他就把伦敦称为“家”。伦敦为Yoni Alter提供了源源不断的灵感,他在伦敦Kemistry画廊首次展览的作品就完全是受伦敦城市景观的启发。Yoni Alter对伦敦建筑色彩丰富、抽象的描绘吸引了观众,这些作品也似乎总结了这座城市的创意氛围。